viernes, 28 de febrero de 2014
RIFF
Riff fue una banda argentina de hard rock y heavy metal formada en Buenos Aires en 1980 por el guitarrista Norberto "Pappo" Napolitano. Se los considera uno de los primeros grupos en hacer heavy metal en idioma español.
La banda se disolvió tras la muerte de Pappo en 2005.
A finales de los años 70, y luego de su paso con Aeroblus, Pappo se encontraba en Europa, más precisamente en el Reino Unido, donde tomó contacto con géneros musicales como el Punk, y muy especialmente con la Nueva ola del heavy metal británico, que estaba renovando el hard rock de la época.
Al volver a la Argentina, en 1980, regresa empapado de estas nuevas tendencias, e influido por la estética y el sonido de bandas como AC/DC, Saxon o en menor medida Motörhead, pero como tal estilo no encajaría del todo bien con su trayectoria solista de los años 70 en Pappo's Blues, caracterizada por el Blues Rock y el hard rock añejo, opta por armar un nuevo grupo, el cual sería Riff. Darío Fernández, el baterista de Pappo's Blues no encajaba del todo en este nuevo estilo musical, por lo que en su lugar ingresa Michel Peyronel, viejo conocido de Pappo, quien también estuvo viviendo en Francia a fines de los años 70, donde tocó para el grupo Punk francés "Extraballe". Boff Serafine (conocido como "Pelusa") se suma como segundo guitarrista, recomendado por "Conejo" Jolivet de la banda "Dulces 16", y el cantante Juan Carlos García Haymes asume el rol de voz líder; finalmente Vitico, otro viejo conocido de Pappo desde los tiempos de Pappo's Blues y La Pesada del Rock and Roll completaría la alineación en calidad de bajista.
El 14 de noviembre de 1980 en el reducto "Sala Uno", de Buenos Aires, se anuncia la separación de Pappo's Blues y la formación de Riff, con el "último" recital de aquella banda y el primero de esta, que se dio en llamar "Adiós Pappo's Blues, bienvenido Riff". Fue todo un éxito, pero para la gente un cantante como Haymes no encajaba; Pappo era la figura carismática de la banda y ya sea en Pappo's Blues o en un grupo nuevo, el público prefería su voz porque estaba acostumbrado a ella, por lo cual Haymes se alejaría de la banda al poco tiempo.
Ya con Pappo como cantante se edita en 1981 Ruedas de metal, el primer LP del grupo, el cual a su vez fue acompañado por algunos de los primeros videoclips de rock en Argentina, álbum que fue tildado de "cuadrado" y primitivo por la crítica especilizada de aquellos tiempos, y el cual tenía un sonido muy frío para un grupo de heavy metal, ya que fue grabado (en 4 días) en uno de los estudios de televisión del Canal 7 de Buenos Aires, conocido como Argentina Televisora Color, o ATC en aquél entonces, emisora estatal que también editaba discos, por intermedio del sello Tonodisc: sin embargo Ruedas De Metal proveería a Riff de algunos temas clásicos, como "No Detenga Su Motor", o el tema homónimo, que abría el lado A del disco.
El 9 de julio de ese año (1981) se presentan en Obras junto a Plus. En dicho recital se incluyeron sillas en el sector de campo, las cuales fueron destrozadas en su mayoría. La propuesta del grupo tuvo tanto éxito que a fines del mismo año se publicó el siguiente disco de estudio, Macadam 3... 2... 1... 0, también presentado en Obras (esta vez sin sillas). El grupo brindaba shows espectaculares y novedosos, con toda la parafernalia de una banda internacional, y muy por encima de lo usualmente ofrecido por otras bandas locales, en un país como Argentina donde, en 1981, el heavy metal era aún territorio virgen sin explotar y novedad absoluta.
Ya en 1982 la siguiente presentación en el Estadio Obras, previa a la edición del tercer álbum Contenidos, estuvo marcada por incidentes violentos una vez más, y a finales de ese año participaron del multitudinario "B.A.Rock '82", un festival con la presencia de otras bandas y solistas de rock nacional, de estilos muy diversos, abarcando desde artistas de Folk rock o Jazz rock, hasta exponentes de la New wave, el Pop o incluso la Canción protesta; evento famoso -entre otras cosas- por un violento encontronazo que el grupo V8 (presente gracias a la mediación de Pappo) tuvo con el público de dicho festival, mayormente ajeno al rock pesado.
A principios de 1983 Danny Peyronel (hermano de Michel, y ex-integrante de Heavy Metal Kids y UFO) se une fugazmente a Riff como tecladista y ocasional cantante, para una serie de conciertos en Obras, con el objetivo de grabar el disco en vivo Riff en acción: estos shows también fueron interrumpidos por incidentes. La violencia era un problema recurrente en los recitales de hard rock de ese entonces, debido en parte a la efervescente situación del país, previa al retorno de la democracia, y en parte a la novedad que representaba el heavy metal como propuesta musical, donde muchas veces se confundía rock pesado con violencia: Riff recibía la peor parte al ser el grupo más notorio y famoso de la aún naciente escena.
Para tratar de revertir la situación, se ofreció un masivo concierto en el estadio de Ferrocarril Oeste a fines de 1983, bajo el eslogan Riff termina el año sin cadenas, pero en lugar de calmar al público, lo puso todavía más violento, y los incidentes fueron tan graves que el grupo no tuvo más remedio que separarse momentáneamente.
Pappo encara varios proyectos, destacándose el disco doble Pappo en concierto (1984), grabado en vivo junto a Boff, Enrique Avellaneda (ex miembro de Vox Dei, y Juan "Locomotora" Espósito (ex baterista de El Reloj. Por su parte, Vitico y Michel se hacen solistas, editando sendos discos en solitario, y Danny Peyronel se une a los españoles Banzai; al separarse los mismos forma -junto a su hermano Michel y Salvador Domínguez- el grupo Glam Metal Tarzen, en Madrid, banda que tuvo cierta repercusión internacional.
Segunda etapa
El esperado regreso de Riff se produce a fines de 1985 con el disco Riff VII, Michel y Boff no son parte de este regreso, siendo reemplazados respectivamente por el veterano baterista Oscar Moro (ex miembro de la mítica banda Los Gatos y del grupo Serú Girán), y por JAF, un joven músico, prácticamente desconocido en ese entonces, quien asumiría el doble rol de segundo guitarrista y voz líder (junto a Pappo). Es evidente el cambio de estilo, más cercano al Hard rock en Riff VII, lanzado en octubre de aquél año por CBS, álbum en el cual descollaban la espectacular voz de JAF, la poderosa base rítmica de Vitico-Moro, y una buena porción de inspirados temas de Pappo, algunos de los cuales provenían de su reciente experiencia con el grupo brasileño Patrulha do Espaço. En diciembre presentaron el disco en Obras con los españoles Baron Rojo como soporte , y junto a los locales Bunker, mientras que entre fines de abril y principios de mayo de 1986 ofrecieron una serie de conciertos durante 5 días seguidos en un local de Buenos Aires llamado Paladium, parte de lo cual fue registrado, y finalmente editado en el disco en vivo Riff 'n' Roll (1986).
Esta reunión de Riff no duró mucho, acto seguido Vitico y JAF se abocarían a sus carreras solistas, y Pappo formaría un grupo nuevo, denominado Pappo & Hoy No Es Hoy, efímero proyecto junto a Boff en segunda guitarra, del cual ha quedado como testimonio un disco de estudio: Plan diabólico y algunos videoclips. Al poco tiempo Pappo decide dejar de lado la promoción del disco para tomar rumbo hacia los Estados Unidos donde se radica, y forma el grupo Pappo & The Widowmakers.
Tercera etapa
En 1990, con Pappo una vez más en Buenos Aires el grupo se reúne nuevamente, y llenan Obras con su formación original: Pappo, Vitico, Michel y Boff. En 1991 cierran el festival Halley En Obras.
En mayo del '92 editan su quinto disco de estudio: Zona de Nadie, con esa misma formación original, y un sonido ligeramente volcado al hard rock californiano. En este disco se destacan temas como "Betty Silicona", "Lo tuyo es vicio" o "La frontera inesperada".
Últimos años
Hubo un par de breves reuniones en 1995, una fue en febrero de ese año, al final de la presentación de Pappo's Blues como soporte de los Rolling Stones en River Plate, y la otra como soportes de Motörhead en la ciudad de La Plata, esta última fue editada en el disco Riff en vivo, en 1996.
Ese mismo año, 1996, los australianos AC/DC llegan a la Argentina presentando Ballbreaker, en el arriba mencionado estadio de River Plate y Riff desempeña el papel de telonero, entre uno de los temas del set se encuentra una larga versión de "Ruedas de Metal", incluida en formato video en la reedición de Zona de nadie.
El último disco de estudio, Que sea rock, fue editado de manera independiente en 1997, bajo un sello propio creado para la ocasión: "Riff Records". El álbum contiene además del tema homónimo que da título al disco "Que sea rock", otros como "Bienvenida a mi lado oscuro", "No obstante lo cual" o "Lily Malone". A su vez participan de la edición argentina del festival Monsters of Rock de 1997, con Halógena, Queensrÿche, Whitesnake y Megadeth. Por otra parte, Pappo actúa (interpretando el rol de un mecánico, "Enrique") en la telenovela Carola Casini, al final de la cual aparece Riff, en un episodio.
En 1998 Fernando Duro, guitarrista de Las Blacanblus, reemplaza a Boff por casi dos años, en los cuales giraron por el interior de la Argentina presentando el disco Que sea rock.
A partir de este punto, Pappo alterna su tiempo entre Riff y Pappo's Blues, la última presentación de Riff fue el 4 de febrero de 2005, en el festival "Cosquín Rock", en Córdoba, con una formación algo diferente de la clásica, ya que el lugar de la segunda guitarra fue ocupada por Nicolás Bereciartúa, hijo de Vitico.
Pappo murió el 25 de febrero de 2005, cerca de la ciudad de Luján (Provincia de Buenos Aires), en un confuso accidente andando en moto en la ruta, al caerse de la misma y ser atropellado por un auto. Los restantes miembros de la banda deciden que no pueden continuar sin un pilar fundamental del grupo como Pappo, y por lo tanto se separan, dando final a Riff.
Integrantes
Pappo: cantante, guitarrista líder (fallecido el 25 de febrero de 2005) (1980-1983, 1985-1986, 1990-1992, 1995-1998, 2004-2005)
Vitico: cantante, bajista (1980-1983, 1985-1986, 1990-1992, 1995-1998, 2004-2005)
Boff: guitarrista rítmico (1980-1983, 1990-1992, 1995-1998)
Michel Peyronel: cantante, baterista (1980-1983, 1990-1992, 1995-1998, 2004-2005)
Danny Peyronel: tecladista (1983)
JAF: cantante, guitarrista rítmico (1985-1986)
Oscar Moro: baterista (1985-1986)
Jota Morelli: baterista (1986)
Fernando Duro: guitarrista (1998-2000)
Juan Carlos García Haymes: cantante (1980, 1997-1998 -como invitado-)
Nicolás Bereciartúa: guitarrista (2004-2005)
jueves, 27 de febrero de 2014
MOLOTOV
Es una banda de Rock formada en 1995 en la Ciudad de México, fundada por Tito Fuentes, Miky Huidobro, Jay de la Cueva y como baterista Ivan Moreno "La Quesadillera". A la renuncia de este se les unió Randy Ebright, un baterista de origen estadounidense. A su salida del grupo Jay de la Cueva, que dejó la banda para unirse a Fobia, fue reemplazado por Paco Ayala. Con 18 años como grupo, han vendido más de 3 millones de copias en todo el mundo. El documental sobre la banda dirigido por Ollallo Rubio con un presupuesto bajo, recaudó cerca de 10 millones de pesos en taquillas de México y la versión en formato DVD fue n* (1) varias semanas en ventas.
Las letras de sus canciones se caracterizan por el manejo del albun (o doble sentido) y del "humor lacra", como ellos mismos le dicen, mezclando la sátira con el humor personal de cada uno de los integrantes.En general sus letras hablan acerca de críticas al gobierno (no solamente mexicano), mujeres y fiestas temas característicos del rock. En cuanto al sonido, cada uno de los integrantes posee influencias diferentes y esto les permite fusionar diferentes géneros, desde el rock y el rap hasta el funk, además el sonido, que varía de un disco a otro según necesidades de estilo, siempre ha estado compuesto por dos bajos, lo cual le da un carácter explosivo según los propios miembros de la banda; de ahí el nombre de ésta.
La historia de Molotov se remonta a "La Candelaria", un grupo creado en 1995 por dos amigos, Tito Fuentes (guitarra) y Micky Huidobro "Huidos" (bajo), se inscribieron en un concurso y prometieron que si lo ganaban tocarían en ese grupo. Coincidentemente ganaron. El 21 de septiembre del mismo año, Jay de la Cueva y “La Quesadillera” se unieron para ensayar, creándose la banda. A finales de 1995, La Quesadillera abandonó la banda y lo remplazo Randy Ebright, el Gringo Loco, al igual que en febrero de 1996 Jay de la Cueva abandonó el grupo para unirse a Fobia y entró Paco Ayala.
Durante todo el año 1996, la banda tocó en muchos lugares de la Ciudad de México y empezó a tener un pequeño grupo de seguidores. Su pistoletazo de salida como banda de éxito fue al telonear a Héroes del Silencio y después a La Lupita en Puebla y La Cuca en Guadalajara.
Molotov logró algo nunca antes visto en la escena del rock mexicano: en el DF la banda ya tenía fans y se sabían sus canciones, mucho antes de que fueran grabadas en cualquier formato, tomando en cuenta que Internet no era común o era casi inexistente en la escena mexicana y que para ser famoso se necesitaba tener un disco, y en muchos casos ser presentado en programas televisivos de revista familiares, esto era un hecho inaudito.
¿Dónde jugarán las niñas? y la controversia (1997-1998)
Durante un concierto en el que abrían para Illya Kuryaki and the Valderramas, un cazatalentos de la Universal les propuso grabar un disco. Fue un período difícil: en los conciertos la banda vendía cassettes mientras se preparaba para entrar al estudio. Molotov tenía un estilo que según muchos solo una banda anglosajona podía tener, tenían una mezcla entre Rap y rock combinado con Funk y salpimentado con una pizca de Hip-Hop. Recordaban a bandas como Red Hot Chilli Peppers, NWA, Rage Against the Machine y The Beastie Boys.
Su álbum de debut ¿Dónde jugarán las niñas? tuvo repercusión tanto en países hispanos como anglosajones. En cambio, sus letras incluyen una mezcla de política, sexo y lenguaje soez, hecho que les hizo ser casi literalmente expulsados de México y estar un tiempo en España. La portada consiste en una joven bajándose de un coche o carro con las pantaletas bajadas. El diseño de la falda de la joven la identifica como proveniente del sistema público de educación mexicana (concretamente del nivel secundario en la Ciudad de México), se deduce entonces con una máxima edad de 15 años.
La banda asegura también que fue "malinterpretada" con su canción más popular de ese tiempo, "Puto", pues fue considerada una ofensa para la comunidad gay. El estribillo de esta canción repite varias veces la frase "matarile al maricón" y "le faltan tanates al puto". El grupo alegó que tan solo "se referían a las personas que no tuvieran valor para divertirse y brincar en sus conciertos". Como resultado de esta polémica, su primer concierto en Alemania estuvo lleno de gays y lesbianas con los brazos cruzados, además de que fueron demandados en España y su canción estuvo censurada en la radio y la palabra Puto era sustituida por "Lucho".
La primera canción de rock latino elegida nº 1 por los oyentes de la radio más popular de los Estados Unidos, fue "Voto latino", en España tuvo gran repercusión "Gimme the Power", llegando a encabezar la lista de singles. Molotov recibe un reconocimiento sin precedente para un grupo de hip-hop en español, en publicaciones urbanas tales como Vibe que mencionó: “Los (músicos de) Molotov son unos incendiarios por naturaleza... con dardos envenenados dirigidos directo al corazón del paternalismo opresivo del gobierno. Ellos se han convertido en la respuesta latina a nuestros Rage Against the Machine”.
En 2004 encabezan el Surco Fest Concert en Buenos Aires, Argentina. Consiguen vender más de 800.000 copias en todo el mundo. El álbum debut se edita en Alemania, Suiza, Japón, Colombia e Israel. Realizaron una gira por los Estados Unidos.
En 1998 cuando la banda estaba de gira en Europa, la discográfica hizo unos remixes baratos de las canciones del ¿Dónde jugarán las niñas? y las puso en un disco que tituló Molomix, incluyendo una versión del clásico de Queen, “Bohemian Rhapsody” titulada “Rap, Soda y Bohemia”, y también una nueva canción, “El Carnal de las Estrellas”, motivada por la negación de Televisa de pasar los vídeos de la banda.[cita requerida] Estas dos canciones estaban destinadas a aparecer en el siguiente álbum, Apocalypshit. El Molomix enojó mucho a la banda, pues no lo habían aprobado y ya estaba en las tiendas.
En la revista Bass Player de diciembre de 1998 se declara a Molotov la banda con el bajo más potente de los últimos años.En verano de 1999 continúa irrumpiendo en EEUU, siendo el único grupo de habla hispana en presentarse en el Vans Warped Tour 1999, y el Watcha Tour, su versión latina, que visita 14 ciudades de Estados Unidos.
En 1999 Molotov regresa al estudio a grabar Apocalypshit; con los integrantes enojados por el Molomix, había un ambiente tenso en el estudio; por esto el disco salió muy oscuro en música y letras (la portada del disco era una imagen holográfica de una tabla ouija que al pasar unas manos dibujadas por ella, anunciaba el título del disco y dentro, el cuadernillo se desplegaba y contenía una versión más grande de la misma tabla en original, con letras y todo) Aún así salieron canciones importantes como "Rastamandita", "Parásito" y "El Mundo". En septiembre de ese mismo año Apocalypshit fue lanzado al mercado en todo el mundo y se hizo una presentación por toda Europa, incluida Rusia. Ese mismo año la banda hace una pequeña aparición en un episodio del programa Derbez en Cuando
En 2001, la banda después de dos años de gira constante decide tomarse un descanso de un año, para alivianar la situación y calmar los nervios. Aún así llevaron a cabo proyectos como la banda sonora de las películas Y tu mamá también, Todo el poder y Atlético San Pancho, y participar en los homenajes a José José, Sandro de Ámerica y Los Tigres del Norte. Volvieron a tocar en el Watcha Tour.
Dance and dense denso y Con todo respeto (2003-2005)
En 2003 vuelven al estudio, frescos y con montones de ideas nuevas; de ahí les sale Dance and dense denso, con su primer sencillo, "Frijolero". Hacen alguna gira por España, donde son invitados a un festival llamado Festimad 2003. Más tarde hacen muy popular la canción "Here We Kum". Se enfrascan en una agotadora gira pero meses más tarde regresan al estudio.
En 2004 salió al mercado su álbum de versiones Con todo respeto, en el cual la banda --que tiene facilidad de hacer covers en los ensayos-- hace covers de sus artistas favoritos, tocando estilos que van desde la salsa a lo punk, como "Me Convierto en Marciano", una versión cumbia del clásico "I turned into a Martian" de Misfits o "Rock Me Amadeus", y rock clásico como "Perro negro y callejero" de El Tri y ZZ Top.
Durante 2005 hicieron una gira de presentación en la que visitaron España durante el mes de marzo y durante agosto y septiembre. En ese entonces hicieron una apuesta con Jorge Vergara, dueño de las Chivas: apostaron que si perdía Pumas en el partido Chivas vs. Pumas, ellos harían un concierto gratis en el Estadio Jalisco absorbiendo todos los gastos, y si perdían las Chivas, Jorge Vergara donaría 1 millón de pesos mexicanos a una fundación. El resultado: ganó Pumas, y es por esto que los Molotov hacen un tema llamado "Me Vale Vergara", en el cual hablan sobre las Chivas, el amor de la banda hacia los Pumas y de Vergara. Así sacan el Con todo respeto Edición Especial donde incluyen este tema y otras versiones de los temas del disco anterior.
Micky Huidobro produjo como un proyecto propio un disco de dos volúmenes titulado Muchachitos de Porra, cuyas canciones son dedicadas a los Pumas de la UNAM y su entorno. Cuenta con la participación de otros grupos y artistas como Alex Lora, Finde, Grupo Marrano, Tanke, Los Estrambóticos y Las Ultrasónicas, así como de algunos jugadores del equipo de fútbol como Antonio Sancho y Francisco Palencia.
Un tema que causó polémica fue el vídeo "Quieren ver golazos", originalmente hecho como cortinilla para las transmisiones de fútbol de Televisa. El doble sentido del vídeo propició que al final el director de Televisa Deportes Javier Alarcón rechazara su transmisión, a pesar de que la producción del mismo fue de manera conjunta entre Molotov y Televisa. Televisa no se dio cuenta del albur escondido en la canción hasta que estuvo en antena, pues el título podía ser entendido también como "Queremos vergolazos" y muchos de los versos eran variaciones de este juego de palabras.
Posteriormente (en voz de Tito Fuentes y Paco Ayala), los Molotov exigieron su pago proporcional de la producción a la televisora en el programa de Brozo El Notifiero. Hasta el momento, no se conoce el resultado final; se especula que en realidad sólo fue una estrategia publicitaria del grupo.
La falsa separación y Eternamiente (2006-2011)
En el contrato de Molotov con la casa discográfica Universal estaba planeado que el grupo grabara un disco de estudio que posiblemente seria el último con dicha discográfica, y también grabarían un CD en vivo. El 12 de enero de 2007 se anunció la separación del grupo debido a problemas económicos y diferencias creativas, según algunos de sus miembros.En realidad, la separación, no fue más que una estrategia mediática,para crear un nuevo disco en conjunto, pero componiendo cada miembro por separado.
Fueron lanzados cuatro EP, cada uno hecho por cada integrante de la banda (Paco, Tito, Micky y Randy), cada EP con cuatro canciones, compitiendo cada uno en una votación pública por conseguir la mejor canción. Los EP tienen como título, Hasta la basura se separa de Micky Huidobro; Tito Fuentes grabó Sintitolo; Randy Ebright, Miss Canciones; y Paco Ayala, el Plan de Ayala. La banda hizo por medio del MySpace una votación en la cual cada integrante escogía un sencillo de su propio EP y lo ponía a votación. Por Tito, del Sintitolo salió "DDT" (depresión de domingo por la tarde); Por Miki, del Hasta la Basura se Separa salió "Eternamiente Molotov"; por Paco Ayala, del Plan de Ayala sale "Déjate algo", y por Randy, del Miss Canciones sale "Blame Me". Al final la banda canceló la votación pues, según ellos, "se pachequeo".
Para referirse a la supuesta separación de Molotov, Paco Ayala comentó en una entrevista: “Eso de que la banda se separaba fue una mentira estratégica y malévolamente planeada; nos separamos artística y musicalmente porque siempre nos juntábamos para hacer un disco, y esta vez nos separamos para hacerlo. Por eso se llamará ‘Eternamiente’”. El primer sencillo de este disco es "Yofo", el tema se desprende del EP de Tito Fuentes.
El 16 de octubre de 2007, Molotov saca el disco Eternamiente con su primer sencillo "Yofo", con un vídeo creativo y gracioso. En los Premios MTV 2007 tocaron esta canción. En enero de 2008 se anuncia que el segundo sencillo de promoción de su más reciente material es "Guácala que rico", escrita por Randy; el vídeo no se estrenó hasta finales de mayo a pesar de que se escuchaba en la radio desde febrero. Una vez más Molotov generó polémica, pues el vídeo fue censurado en todos los canales musicales y solamente puede ser visto a través de YouTube, debido a que consideraban que no era apto para menores.
A mediados de marzo del 2009 se dio a conocer a través de los principales periódicos de México que la banda se encontraba trabajando en un nuevo álbum donde, a diferencia de Eternamiente, los integrantes juntarían ideas para la creación de canciones.En un concierto en Lima, Perú, el 6 de noviembre del 2010, la banda tocó una nueva canción y anunció la salida del nuevo disco en diciembre (por el exceso de bulla, no se supo si el 8, el 18 o el 28). Al final resultó ser mito y el nuevo disco saldría a mediados del 2011. Realizaron una gira por Europa del 1 de junio al 23 de julio de 2011, en su "Don’t You Know We Are Loco? Tour 2011". La gira comprende países como España, Suiza, Bélgica, el Reino Unido, la República Checa, Austria, Hungría, Eslovaquia, Italia y Alemania.
Desde Rusia con amor y documental Gimme Tha Power (2011-2013)
Desde Rusia con amor es un álbum en vivo y el nuevo material discográfico de la banda luego de Eternamiente. Este incluye algunos de sus grandes éxitos (Gimme tha Power, Frijolero, etc.) interpretados durante su estadía en dicho país. Salió a la venta el 15 de mayo del 2012 su primer sencillo, una versión en vivo de Voto latino. Molotov recibe el Disco de oro por su más de 30.000 copias vendidas sólo en México en menos de 2 meses de haber lanzado Desde Rusia con amor.
Los miembros de la banda también realizaron la promoción del documental Gimme Tha Power, dirigido por Olallo Rubio y que documenta la historia de México durante los últimos sexenios en los que gobernó el Partido Revolucionario Institucional. Fue estrenada en la última edición del festival Vive Latino, que se llevó a cabo en marzo del 2012.[8] El documental reúne las opiniones de cada uno de los integrantes de la banda (Tito Fuentes, Miky Huidobro, Randy Ebright y Paco Ayala) sobre la perspectiva que tienen de México y los problemas sociopolíticos que vive el país en las últimas décadas. Asimismo, se incluyen opiniones de diversas personalidades del periodismo y activismo –entre ellos Juan Villoro– sobre su visión acerca de la influencia que ha tenido Molotov en la sociedad, específicamente en su movimiento de protesta. El documental se estrenó oficialmente el 1 de junio de 2012 en cines seleccionados.
En noviembre de 2012 Desde Rusia con amor recibe el premio Grammy Latino a Mejor Álbum de Rock. En noviembre de 2013 la banda anunció que ya grababan su nuevo material, cuya salida se programa para inicios de 2014.
El 18 de febrero de 2014, la banda lanzará su nuevo sencillo de nombre "Ánimo delincuencia", en respuesta a la política mexicana que está ejerciendo actualmente el Presidente de la República, Enrique Peña Nieto, con respecto al narcotráfico en el país. También, confirmaron que su nuevo álbum de estudio sería lanzado el 29 de abril del mismo año.
Integrantes:
*Tito Fuentes (Guitarra, y Voz) - (1995)- Presente
*Micky Huidobro (Bajo, y Voz) - (1995)- Presente
*Paco Ayala - (Bajo, Guitarra, y Voz) - (1996)- Presente
*Randy Ebright - (Batería, Guitarra y Voz) - (1996)- Presente
Ex-integrantes
*Jay de la Cueva (Bajo y Voz) - (1995-1996)
*Iván Moreno "La Quesadillera" (Batería) - (1995)
Integrantes de Apoyo en Conciertos
*Paco Huidobro (Guitarra) - (1997–2000) (2004–2006) (2010)-Presente
*Gerardo Rodríguez (Percusiones) - (1997–2000)
*Gustavo Santaolalla (Guitarra) - (1995–1997)
Álbumes
*¿Dónde Jugarán Las Niñas? (1997)
*Molomix (1998)
*Apocalypshit (1999)
*Dance And Dense Denso (2003)
*Con Todo Respeto (2004)
*Eternamiente (2007)
*Desde Rusia Con Amor (2012)
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miércoles, 26 de febrero de 2014
WHAM!
Wham! fue una banda británica de Pop, creada en 1981 por George Michael y Andrew Ridgeley, hasta su separación en 1986.
En Estados Unidos fueron conocidos como Wham! UK ya que existía otro grupo con el mismo nombre. En una encuesta en octubre de 2008 realizada por NME, Wham fue elegida 'La Mejor Boy Band de Todos los Tiempos', venciendo a bandas rivales tales como Backstreet Boys y N'Sync por el prestigioso título.
Sus canciones más conocidas son Careless Whisper, Everything She Wants, Wake Me Up Before You Go Go y Last Christmas (1984).
George Michael y Andrew Ridgeley se conocieron en el colegio Bushet Meeds School, en Watford, Inglaterra. Al principio, participaron en una banda de ska, de corta vida, llamada "The Executive". Cuando el grupo se deshizo, los músicos formaron el dúo llamado Wham! y consiguieron un contrato con la discográfica Innervision Records.
Para darse a conocer internacionalmente, lograron una victoria legal sobre este sello para grabar con compañías más reconocidas, como Sony Entertainment Records y Columbia Records en Estados Unidos y Canadá, y Epic Records para el resto del mundo.
Michael tomó la mayoría de los roles y responsabilidades con la banda -compositor, cantante, productor y ocasionalmente instrumentista- pero la contribución de Ridgeley como el especialista de la imagen del grupo y portavoz fue crucial para el éxito inicial del grupo. Él convenció a un renuente George Michael de que Wham! necesitaba cambios de imagen y sonido con frecuencia, para adaptarla a los gustos de la moda juvenil.
Todavía adolescentes, se promovieron a sí mismos como jóvenes orgullosos de vivir sin preocupaciones, sin trabajar o sin obligaciones. Esto fue reflejado en sus sencillos iniciales, los cuáles, parte parodia, parte responsabilidad social, le brindaron a Wham! una reputación de grupo de baile de protesta.
El sencillo debut se llamó "Wham Rap!" y fue lanzado en junio de 1982. Fue uno de los primeros temas de un grupo británico que incluía rap y tenía una cara doble A con un Social Mix y Anti-Social Mix. Este disco no fue radiado por la BBC Radio 1 en el Reino Unido, motivado por el contenido polémico del Anti-Social Mix. A consecuencia de ello, el tema fue regrabado cambiando las líneas más controvertidas.
Adicionalmente, dos videos fueron lanzados para promocionar esos temas. En 1983, en el programa de TV británico "The Tube" en Canal 4, Wham! presentó en vivo la canción original y completa con las líneas censuradas. Esta versión fue considerada de lejos mejor que la re-editada en el Reino Unido. "Wham Rap!" no llegó a las listas (fue un tema relativamente intrascendente), pero en octubre de 1982, su canción "Young Guns" (Go For It!)" si lo logró en su país.
A partir de este momento crucial, los medios de información consideraron al dúo como un fenómeno que acababa de comenzar.
El impacto de Wham! en el público, especialmente las adolescentes, fue sentido en el momento en que finalizaron su presentación debut con "Young Guns (Go For It!)" en el programa de TV británico Top of the Pops, un importante show semanal de la BBC. La canción llegó al Top 40, en posición #35 y llegó como máximo al #3 en diciembre de 1982.
Canciones importantes de Wham! para 1983 fue una nueva edición de "Wham Rap! (Enjoy What You Do)", y "Bad Boys". Para finales de ese año, el grupo fue rival de Duran Duran y Culture Club como el mayor grupo pop británico. Para entonces, sale al mercado su primer disco, llamado "Fantastic", que llegó al número #1 en ventas.
Al mismo tiempo, Ridgeley comenzó a tener problemas legales con su contrato inicial con Innervision. Mientras esto sucedía, esta productora sacó una versión mix de Fantastic que llamó "Club Fantastic Megamix". Wham! hizo pública su denuncia, y advirtió a sus fans que no lo compraran. Después de concluir la demanda, Innervision admitió que todo se debió a discrepancias en el contrato firmado con la banda, lo que originó un pago millonario que llevó a la bancarrota y la disolución de la discográfica.
Manejado por Andrew Ridgeley, el dúo cambió su imagen, y Wham! regresó en mayo de 1984, con un estilo muy similar a otras bandas pop de la época, y presentado oficialmente en el video de la canción "Club Tropicana".
Su siguiente sencillo, sería con el que se darían a conocer alrededor del mundo "Wake Me Up Before You Go Go", un pegajoso éxito escrito por George Michael, inspirado en una curiosa frase tomada de una nota de Ridgeley, dejada en su cuarto de un hotel. Según explicaron, provino de "don't forget to wake me up up before you go go, George" ("no te olvides levantarme levantarme antes de que te vayas vayas, George"), expresado con un tartamudeo del músico, motivado probablemente para enfatizar la misma idea.
Luego de eliminarle el segundo "up", consideraron que los dos "go go" sonaban originales. Fue rápidamente su primer #1 en el Reino Unido. y estuvo muy cerca en las listas de Estados Unidos. El video de igual forma fue muy popular dentro de la junventud, lo que originó la moda de camisetas con lemas o frases cortas.
Como una extraña contradicción, el siguiente sencillo "Careless Whisper", es considerada una pieza en solitario de George Michael, la primera desde la existencia de Wham!, aunque fue co-escrtita por Ridgeley. En el video no aparece su compañero en ningún momento, lo que marcó un significativo distanciamiento con la imagen juvenil habitual del grupo, asociado como una especie de playboy para esta ocasión. La canción fue con mucho el mayor hit de la banda, y llegó al primer lugar en decenas de países por varias semanas.
Para el otoño de 1984 Wham! regresa al dúo con Freedom, otro éxito en listas. Para noviembre de ese año, lanzan su segundo (y su más exitoso) disco LP, llamado "Make It Big", que llegó al #1 en ventas. Con este material, hicieron una gira de conciertos mundial para promocionarlo.
Para estas fechas, Michael contribuyó con su voz al proyecto benéfico británico "Band Aid" en la canción "Do They Know It's Christmas?", y sacó el sencillo "Last Christmas"/"Everything She Wants" (#2 en el Reino Unido). El grupo donó todas las ganancias con esta canción a la hambruna en Etiopía.
Tour por China
En abril de 1985, Wham! tomó un descanso de las grabaciones, entregándose a un ambicioso tour mundial, incluyendo una larga estancia por 10 días en China, siendo el primer grupo pop occidental en hacerlo.
Este tour estuvo marcado por la publicidad masiva y culminó con un concierto en el Gimnasio de los Trabajadores en Pekín ante 10.000 fanáticos.
En noviembre de 1985 lanzaron el sencillo "I´m your man", que llegó al #1 en listas británicas.
Se dio a conocer una relación sentimental entre Michael y la modelo y actriz china Kathy Yeung, mientras que Ridgeley inició una relación con Karen Woodward del grupo Bananarama.
"Last Christmas" fue re-lanzada" para la navidad de 1985 y de nuevo llegó al Top 10 británico (#6 máximo), mientras Michael empezó a desarrollar otras actividades personales. Colaboró en los coros con Elton John en su éxito "Nikita" y con David Cassidy en "Wrap Her Up"
El final
El sencillo publicado para 1986 "The Edge of Heaven", fue #1 en junio de ese año en el Reino Unido. "Where Did Your Heart Go?" fue su último tema en Estados Unidos.
El álbum final del dúo fue una colección de doble LP de todos sus sencillos a la fecha, la mayoría versiones extendidas, y fue llamada también "The Final". En Estados Unidos, una versión especial fue llamada Music from the Edge of Heaven, que contenía pistas alternativas.
Para ese mismo año. Michael decidió crear música más elaborada y para una audiencia más sofisticada, que la que podía producir un dúo enfocado a un público adolescente, y así lo manifestó a los medios de prensa.
Asimismo, el papel de Ridgeley era cada vez más insignificante ante el rumbo y la gran magnitud que alcanzó la carrera de Michael. Siempre se cuestionaron las verdaderas cualidades o el talento que podía ofrecer su presencia para la evolución del grupo.
La ruptura era tan inminente, que hasta la misma portada del álbum Music from the Edge of Heaven para Latinoamérica y Japón presentaba a un George Michael dando casi la espalda a Ridgeley y "visiblemente" serio.
Eso no interrumpió el desfile de las canciones "The Edge of Heaven" , "A different Corner" y "Where did Your Heart Go?" , durante 1986, sin embargo, ninguna lograría llegar al primer puesto estadounidense.
El público ya no tuvo más noticias del dúo, con lo que se intensificaron los rumores de una separación en Wham!, hasta que en el verano de 1986 ésta, finalmente, se produjo.
La separación de la banda se publicó oficialmente en la primavera de 1986, para lo cuál anunciaron un histórico concierto en el estadio de Wembley, el 28 de junio de 1986, llamado "The Final". Wham! dijo adiós a su audiencia ante 73,000 aficionados en un evento que duró 8 horas, y presentó momentos muy emotivos.
La banda estuvo unida por 5 años, vendiendo cerca de 20 millones de álbumes y de 10 a 15 millones de sencillos. "Foreign Skies", el film de su tour por China, recibió elogios como parte de la festividad, convirtiéndolo en el de mayor audiencia para la premiere de un film en toda la historia.
Post-Wham!
George Michael publicó su primer álbum como solista casi un año después de su salida de Wham!, en octubre de 1987 con su disco "Faith", un rotundo logro comercial en varios países del mundo. Parte del éxito se debió a un hábil cambio de imagen más varonil: George optó por un look más agresivo, con barba de varios días, pendientes, gafas de sol, botas y pantalones prietos.
A la fecha nunca se ha realizado una reunión de los dos miembros de Wham! para grabar nuevo material o realizar alguna presentación, cada uno enfocado en sus proyectos personales.
Por algunos años durante su carrera de solista, Michael fue públicamente crítico al referirse a su papel con Wham!, debido a la intensa negativa de los medios a cubrir a su compañero Ridgeley.
Indicó que la presión de la prensa fue constante y que financieramente esos años fueron un desastre, aunque no descartó una reunión con su amigo para presentar, especialmente, temas de su primer disco.
Sin embargo, todavía interpreta canciones como "I'm Your Man" y "Everything She Wants," en sus conciertos.
La homosexualidad de George Michael nunca trascendió en su época de los 80, y siempre se le asoció sentimentalmente a otras estrellas femeninas como Brooke Shields, y Melissa Megginson, ni mucho menos se llegó a ligarlo en ese sentido con su compañero.
Andrew Ridgeley continuó con una opaca carrera como músico por casi 5 años más, hasta dedicarse a otras acitvidades extra musicales, particularmente surfear y negocios relacionados. Se casó con su pareja Karen Woodward y vive prácticamente alejado de los medios de comunicación.
Desde inicios de 2007, Michael ha estado trabajando en el estudio de grabación para dar forma a las nuevas canciones que se incluirán en su próximo álbum como solista. El cantante confirmó que ha grabado dos nuevas canciones con Ridgeley. En las canciones, George ha puesto la voz y su socio toca la guitarra. La publicación de dicho disco estaba prevista para finales del 2007, pero no ha visto la luz todavia.
LaBanda RockPop
martes, 25 de febrero de 2014
a- ha
a-ha (pronunciado en español ajá) fue una banda de synth pop, pop rock y new wave formada en Oslo, Noruega, el 14 de septiembre de 1982. Gracias a su éxito y popularidad, especialmente durante los años 1980, el trío se ha convertido en el artista musical noruego más importante de la historia a escala mundial.
El grupo cosechó gran éxito en la década de 1980, principalmente por su canción «Take on Me», y continuó con un éxito más discreto durante los años 1990. Tras su quinto álbum de estudio, Memorial Beach, el trío interrumpió su actividad hasta el año 2000, cuando regresaron con Minor Earth | Major Sky. Igualmente, pasaron por la década del 2000 con éxito discreto hasta 2009, cuando publicaron su último álbum de estudio, Foot of the Mountain, el álbum con mayor éxito de la década y que suponía un regreso a las raíces del grupo. Aprovechando las buenas críticas de su último trabajo, a-ha decidió que 2010 era el momento ideal para terminar como banda. Dieron su último concierto el 4 de diciembre en el Oslo Spektrum.
El 21 de agosto de 2011, a-ha se reunió para una única actuación en la ceremonia conmemorativa de las víctimas de los atentados del 22 de julio en Noruega.
Primeros años (1982–1983)
Artículo principal: Bridges (banda)
En 1976, Paul y Magne formaron su propia banda, llamada Bridges. Lanzaron sólo un LP, de escasa aceptación lo que, sumado a posteriores problemas, hicieron que el grupo se separara. Conscientes de que necesitaban un vocalista, contactan con el joven Morten Harket, vocalista en ese momento de una banda local de Oslo llamada Soldier Blue, que Magne conocía de antes, pero éste rechaza su oferta. Paul y Magne lo intentan solos de nuevo y viajan a Inglaterra en 1982 para regresar a Noruega 6 meses después debido al poco éxito y la falta de dinero. Es entonces cuando contactan de nuevo con Morten y esta vez, el joven acepta colaborar con ellos. a-ha nació el 14 de septiembre de 1982.
Pål Waaktaar-Savoy. Co-fundador, guitarrista y principal compositor del grupo.
"El 14 de septiembre de 1982, el cumpleaños de Morten, dos jóvenes llenos de alegría visitaron la casa de los Harket para felicitarle su cumpleaños y darle la bienvenida como el nuevo cantante de su banda. Pål iba vestido con un cortés traje oscuro, mientras que Magne tenía las manos llenas de poemas de celebración. Desde entonces, el recién formado trío puso todos sus esfuerzos en la banda.
Henning Kramer Dahl y Håkon Harket.
Morten fue quién sugirió el nombre del grupo cuando mirando el cuaderno del Paul vio la palabra "aha" en la letra de la canción "Nothing to It" (canción nunca publicada). Fue la elección perfecta: buscaban un nombre fácil de recordar y que significara lo mismo en inglés y en noruego y Paul comprobó que la palabra era de carácter positivo e internacional.
Los tres empiezan a componer temas en una cabaña de los padres de Paul en Nærsnes. Allí graban 9 demos para llevarse a Londres: entre éstas "Living a Boy's Adventure Tale", "The Sphinx" ("Train of Thought") y "Lesson One" ("Take on Me"). En ese tiempo también grabaron una canción en noruego, "Så Blåser Det På Jorden", que fue de hecho su primera canción y que nunca llegaron a utilizar. Estuvieron en el "estudio de grabación" durante varios meses hasta que estuvieron preparados para viajar a Londres.
El 2 de enero de 1983 los tres abandonan Noruega con destino a Londres. Magne viajó una semana más tarde para quedarse con su novia, Heidi Rydjord.
a-ha estuvo los primeros meses buscando una compañía. La primera que visitaron fue Decca, que los rechazó. La primera compañía con la que firmaron fue Lionheart, pero dicho contrató no duró demasiado y no se llegó a realizar nada con la compañía.
a-ha estaba pasando por momentos muy difíciles: vivían en un piso pequeño e inadecuado, por lo que intentaron relacionarse con otras personas. Morten, por ejemplo, estuvo unos días viviendo con Steve Strange. Al poco tuvieron que tomarse un descanso y regresar a Noruega para ganar algo de dinero. Morten se reunió con el líder de Soldier Blue, Arild Fetveit, que conocía del colegio, y formaron un grupo llamado Sporty Morty and the Houserockers, que lo único que hicieron fue tocar un concierto.
En primavera de 1983, a-ha regresa a Londres para intentarlo una vez más. Tras mirar varios anuncios en los periódicos, el 1 de abril fueron a los Rendezvous Studios de John Ratcliff para grabar canciones. Con sólo dos canciones, una de ellas "Dot the I", Ratcliff tuvo suficientes y les presentó a Terry Slater (ex-bajista de The Everly Brothers), a quien le gustó lo que escuchó, pero no estaba satisfecho. Le dio a a-ha una semana, y cumplido el plazo, el grupo consiguió un mánager.
Tras incontables sesiones de grabación, a-ha finalmente consiguió firmar con Warner Brothers en diciembre de 1983. Dieron su primera conferencia de prensa el día 4 de diciembre, anunciando que tenía un contrato.
a-ha todavía necesitaba encontrar un productor. Tony Mansfield fue el primero en trabajar con ellos y más tarde trabajaron con Alan Tarney que demostró darles más éxito.
Una vez a-ha firmó con Warner debían lanzar su primer sencillo en 1984. Para el mismo a-ha trabajó sobre una canción de los orígenes del grupo: "Lesson One", una versión modificada del tema "The Juicyfruit Song" del grupo Bridges. Los arreglos se fueron sucediendo hasta dar con la primera versión de "Take on Me", que fue lanzada en octubre de 1984. Pero la canción fracasa con unas ventas de 300 copias.
Primera etapa (1984–1994)
Morten Harket. Vocalista del grupo.
En abril de 1985 se publica una nueva versión de "Take on Me", remasterizada por John Ratcliff y producida por Alan Tarney. Pero nuevamente la canción fracasa. Convencidos del potencial del tema, se graba un vídeo, dirigido por Steve Barron, en el que se hace uso de una innovadora técnica que mezcla escenas reales con escenas animadas en blanco y negro, cual cómic. El vídeo se convirtió en un fenómeno a nivel internacional y fue ganador en 1986 de seis premios MTV. El vídeo empuja a la canción, lanzada por tercera vez en septiembre de 1985, al primer puesto de numerosos países y se convierte en un éxito llegando al n.º 1 en EE. UU. y n.º 2 en Reino Unido en 1985 alcanzando unas impresionantes ventas de 9 millones de copias. Gracias al tremendo éxito de "Take on Me" a-ha lanza su álbum debut Hunting High and Low el 28 de octubre de 1985. Perfilado por el productor Tony Mansfield, el álbum vendió 10 millones de copias y registró tres n.º 1, llegando a lo más alto de las listas de popularidad. "The Sun Always Shines on T.V." fue el primer n.º 1 de a-ha en el Reino Unido.
En 1986 a-ha gana ocho de las once candidaturas a los premios MTV, seis de ellos por "Take on Me" y dos por "The Sun Always Shines on T.V.". También fueron nominados para al Grammy como "Mejor artista nuevo", el cual perdieron frente a Sade. La primera gira de a-ha comenzó el 3 de junio del mismo año, debutando en el escenario en Perth, Australia, cerca de sacar su próximo álbum de estudio
El segundo álbum, Scoundrel Days, fue lanzado el 6 de octubre de 1986. A pesar de alcanzar también grandes ventas, 6.6 millones de copias, no consiguió las que el primer álbum puede hacer gala. Sin embargo, según los integrantes del trío, este es el álbum que más suena de a-ha, un álbum más rock que supone un nuevo nivel para la voz de Morten. a-ha prosigue con su gira al tiempo que se ocupan de los sencillos y vídeos musicales del álbum.
El logotipo clásico de a-ha, con las "a" en cursiva, se utilizó desde 1985 hasta 1994.
El 19 de enero de 1987 en el Fairfield Hall de Croydon en el Reino Unido John Barry, principal compositor de las películas de James Bond, contacta con a-ha para colaborar en la canción de título de la película de ese año, The Living Daylights (007: Alta tensión; Su nombre es peligro), lo que dio lugar a un acuerdo algo conflictivo: la falta de tiempo de Barry hace que Paul trabajara solo en la canción. Por ello, Waaktaar protesta de que Barry nunca contribuyó a la creación del tema y que su nombre no debería aparecer en los créditos. Sin embargo ha llegado a confesar que agradece mucho los arreglos que Barry aportó al tema al final, pues fue cuando sonó verdaderamente a Bond. Otro problema que tuvieron fue el empeño de a-ha en utilizar la versión que ellos grabaron como tema para la película. Barry se negó ya que la versión de a-ha no se correspondía con el estilo de las películas de Bond. Nada de esto, sin embargo, impidió que la canción fuera un éxito y que se publicaran las dos versiones de la misma: la versión para la película salió a la venta como sencillo de a-ha en julio, vendiendo 2.5 millones de unidades, así como en la banda sonora de la película. La versión de a-ha aparecería en su tercer álbum de estudio.
En mayo de 1988 a-ha lanzó su tercer álbum, Stay on These Roads. Si bien el álbum también logró bastante éxito, también vendió menos que su predecesor, registrando unas cifras de 4.2 millones de copias. Fue acompañado de una gira y varios sencillos con sus videos musicales.
East of the Sun, West of the Moon es el cuarto trabajo de a-ha, lanzado en octubre de 1990. Este álbum incluye el exitoso "Crying in the Rain", que es un cover de la canción de The Everly Brothers. a-ha realiza una "doble gira": una gira europea y una serie de conciertos titulada Walk Under the Sun, Dance Under the Moon exclusivamente para América del Sur. El éxito todavía acompaña a a-ha, cuyo cuarto episodio vende 4.2 millones de copias y durante la gira en Sudamérica lograron un récord Guinness mundial a la mayor audiencia en un concierto de pago: 198.000 personas vieron a a-ha en el estadio Maracaná, en Río de Janeiro, en 1992.[3] Sin embargo, ese éxito no evitó que a-ha caminara hacia su inminente decadencia.
En noviembre de 1991 a-ha lanza su primer recopilatorio, Headlines and Deadlines. El álbum es sucedido por una época cargada de sencillos y vídeos musicales. Aparentemente esta etapa no sentó muy bien al grupo. Paul: "No queríamos realizar más sencillos. Queríamos hacer un álbum de verdad".
magne f. Cofundador, teclista y compositor del grupo.
En 1993 sale Memorial Beach, trabajo fruto de los esfuerzos de la banda por alejarse de esa etapa y elaborado a raíz de los conflictos personales y creativos que sufría el grupo en esos momentos. El resultado fue el álbum más oscuro de a-ha con un estilo predominantemente rock con el que nunca antes habían trabajado. El álbum fue el de menos aceptación con las ventas más bajas de la carrera de la banda: aproximadamente 750.000 copias,[5] actualmente 1.2 millones. Dicha cifra completó el escalonado declive de las ventas de a-ha. El mismo año del lanzamiento del álbum emprenden la gira Memorial Beach Tour por Europa y Sudáfrica. En 1994 el grupo graba su último sencillo, titulado irónicamente "Shapes that Go Together". El tema era la canción para los juegos paralímpicos celebrados ese año en Lillehammer, Noruega. Poco después, dieron su último concierto el 19 de junio de 1994 en el White Nights Festival, de San Petersburgo, Rusia y después de varias especulaciones sobre su próximo álbum, a-ha deja de colaborar como banda y cada miembro comienza una carrera en solitario. Sin embargo, la separación de a-ha nunca fue formal, sino sólo una parada de varios años.
Etapa de inactividad (1994–1998)
Con la parada de a-ha cada miembro del grupo empezó a desarrollar una carrera en solitario.
Morten Harket, que ya había lanzado en su primer álbum solista en 1993, Poetenes Evangelium, lanzó su primer álbum en inglés en 1995, Wild Seed y un año más tarde realizó un segundo trabajo en noruego, Vogts Villa, ambos acompañados de una serie de conciertos entre 1995 y 1996. Además de su carrera musical, Morten se involucra en proyectos medioambientales.
Magne Furuholmen, junto con Kjetil Bjerkestrand como Timbersound, se dedicó a realizar bandas sonoras para películas a la vez que desarrollaba su potencial como artista en artes gráficas. Tres álbum se publicaron en este etapa: Ti Kniver I Hjertet (1994), Hotel Oslo (1996) y Hermetic (1997), los dos últimos en colaboración con el cantante sueco Freddie Wadling.
Pål Waaktaar forma en 1994 el grupo Savoy junto a su mujer, Lauren Savoy, y el batería Frode Unneland. En 1996 lanzaron su álbum debut, Mary Is Coming, que les mereció un disco de oro en Noruega y que consolidó a Pål Waaktaar como artista lejos del éxito de a-ha. Lanzaron dos álbumes más en este periodo, Lackluster Me (1997) y Mountains of Time (1999), el cual recibió un disco de platino en Noruega.
Segunda etapa (1998–2010)
En el verano de 1998 a-ha se reúne de nuevo para hablar sobre el futuro de la banda tras la invitación a participar en el Concierto del Premio Nobel de la Paz. El grupo entonces se reúne de nuevo y graban en noviembre "Summer Moved On".
"Nos daba apuro decir que no. En realidad ya nos habían invitado dos o tres veces. No queríamos aparecer con material reciclado. Pensamos que sería aburrido tocar dos canciones viejas. Esto me inspiró, y escribí 'Summer Moved On' como una explicación de lo que había ocurrido en la banda." – Pål Waaktaar-Savoy[6]
"Tenía que hacerlo [la reunión] por el espíritu de a-ha." – Morten Harket[6]
El 4 de diciembre en una conferencia de prensa en el restaurante Frognerseteren de Oslo, a-ha anuncia sus planes sobre un nuevo álbum y gira. La vuelta de a-ha les valió en el 2000 un premio Goldene Europa como "regreso del año".El 11 de junio de 1999 varios representantes de compañías discográficas viajan a Oslo para escuchar diez demos grabadas por a-ha. El 9 de julio a-ha firma un nuevo contrato con WEA Records.
Anneli Drecker colaboró en directo y en el estudio con a-ha entre 2000 y 2002.
Siete años después de su último trabajo en 1993 a-ha presenta su álbum de regreso, Minor Earth | Major Sky, el 17 de abril de 2000 en Europa, que incluye un cover de Savoy, "Velvet", interpretado por Morten y no por Paul, a petición de la compañía. a-ha comienza a sonar de nuevo en las emisoras de radio y el álbum logra tanto éxito que es premiado con varios Disco de Oro como en Suiza y otros países, además de que es catalogado como uno de los mejores 20 álbumes del año a nivel mundial. El nuevo álbum contenía un sonido distinto al cultivado por el grupo durante la etapa anterior y es que, desde su reunión, la influencia de las carreras en solitario de cada uno se ha utilizado en la mayoría de los álbumes de la segunda etapa.
"Fue influenciado por el trabajo solista de los últimos años. Habíamos acabado de grabar el tercer álbum de Savoy y disfrutaba haciendo música. Esta actitud fue la que movió la grabación del primer álbum de a-ha en siete años, y se convirtió en el núcleo del disco.
Paul Waaktaar-Savoy"
El 24 y 25 de marzo de 2001 a-ha regresa a Oslo para dar un concierto con un éxito devastador vendiendo todas las entradas. El concierto del día 24 es el recogido en el DVD Live at Vallhall – Homecoming. a-ha remonta sus ventas llegando a 2.75 millones de copias vendidas.
En abril de 2002, en Europa, sale el álbum Lifelines que batiendo los récords del álbum de regreso se convierte en Disco de Platino en Noruega sólo dos días después de su lanzamiento. El álbum logra vender 2.5 millones de copias. El 8 de junio comienza la gira Lifelines World Tour en el Ullevaal Stadion (Oslo, Noruega) por Europa, los Estados Bálticos, Rusia y América del Sur que, tocando frente a un total de medio millón de personas y aclamada por la crítica, se convierte en la gira de mayor éxito del grupo. Se grabaron las últimas seis semanas de la gira y de ellas se extrajo el álbum en directo, How Can I Sleep with Your Voice in My Head.
El 17 de marzo de 2003 a-ha comienza la promoción del álbum en directo. El grupo participa en promociones de radio y televisión en Alemania, Noruega y España. El 10 de marzo del mismo año se lanza el único sencillo del álbum, "The Sun Always Shines on T.V. (Live)". Entre el 27 de octubre y el 2 de noviembre a-ha da seis conciertos en Rusia y Ucrania. Para acabar, el trío da dos conciertos más el 3 y 4 de noviembre en Trondheim como parte de un festival de estudiantes.
El 7 de mayo de 2004, a-ha anunció un nuevo contrato con la compañía Universal Music Group. El 4 de junio a-ha dio un concierto en un escenario flotante en el puerto de Bergen ante un público de 13.000 personas. Cerraron las actuaciones en directo de ese año con una última actuación el 12 de junio en Middelfahrt, Dinamarca como parte del festival Rock Under Broen. El 30 de octubre Savoy lanza su cuarto álbum de estudio, Savoy y el 20 de septiembre Magne lanza su primer álbum de estudio solista, Past Perfect Future Tense. a-ha también edita material ese año: se publica el 21 de octubre la biografía autorizada The Swing of Things de Jan Omdahl y el 29 de noviembre se lanza el recopilatorio The Singles 1984-2004 en conmemoración del lanzamiento de la primera versión de "Take on Me" (que no se incluye en el álbum). La misma noche del lanzamiento de la biografía, a-ha recibe en el Oslo Spektrum el Premio de Honor en los Nordic Music Awards.
En febrero de 2005 se anuncia que a-ha ha regresado al estudio para comenzar la grabación de su primer álbum con el sello de Universal (lanzado bajo Polydor Records). El 2 de julio participan en el concierto benéfico Live 8 donde tocan "Hunting High and Low", "Summer Moved On" y "Take on Me". Su octavo álbum de estudio, Analogue, fue lanzado el 4 de noviembre de 2005.
En 2006 a-ha continúa con la gira y la promoción de Analogue y en verano regresan al estudio para grabar una versión de la canción "#9 Dream" de John Lennon, para el proyecto musical de Amnistía Internacional, Instant Karma: The Amnesty International Campaign to Save Darfur.El 24 de febrero de 2006 se presentan con gran éxito en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar,Chile. En octubre de este año a-ha recibió el prestigioso Q Inspiration Award por su larga contribución a la música.
En 2007, un año conmemorativo para a-ha, que cumplían 25 años de carrera, el grupo toca cuatro conciertos, tres en Noruega en agosto y septiembre y uno el 15 de septiembre en Kiel, Alemania, que fue retransmitido en directo a través de MSN. El grupo alegó que serían su último concierto hasta la salida de su próximo álbum de estudio, tras un breve parón, movidos por el entusiasmo de volver a grabar en solitario.
Paul Waaktaar-Savoy fue el primero en lanzar su nuevo proyecto con Savoy. En agosto de 2007 lanzaron Savoy Songbook Vol. 1 en Noruega. Se trata del primer recopilatorio del grupo en el que se recoge una selección de la mejores canciones a juicio de la propia banda junto con tres canciones nuevas y regrabaciones de algunos temas antiguos.
Magne colabora con el supergrupo Apparatjik desde 2008.
Magne Furuholmen lanzó su segundo álbum de estudio solista, A Dot of Black in the Blue of Your Bliss, en enero de 2008. Magne colabora desde 2008 con el supergrupo Apparatjik.
Después de participar en el Concierto del Premio Nobel de la Paz y lanzar su primer sencillo desde "Heaven's Not for Saints" (1996), "Movies" en noviembre de 2007, Morten Harket lanzó en mayo de 2008 en Alemania y Noruega el sucesor de su álbum Wild Seed al mismo tiempo que aparecía en el Reino Unido los trabajos de Savoy y Magne. Letter from Egypt supone el regreso de Harket como solista después de 12 años de silencio, y fue el regreso solista más esperado entre la comunidad de fans de a-ha.
Con el lanzamiento de sus trabajos, a-ha decide dar una mini-gira especial, An Evening with Morten Harket, Savoy and Magne F, en la que los tres miembros se presentan como solistas ante el público noruego e inglés en Oslo y Londres.
En enero de 2009 "Take on Me" fue elegido como el mayor éxito noruego de los últimos 50 años. Magne y Morten acudieron a la gala de entrega de los premios Spellemann 2008 del 24 de enero en el Oslo Spektrum para recoger el premio.
A finales de marzo a-ha viajó a Sudamérica para dar tres conciertos en el que ofrecieron una avance de su próximo trabajo. Tocaron las dos que ya se conocían del concierto en el Royal Albert Hall y mostraron la canción "What There Is". Hasta abril no se volvió a saber nada del álbum, cuando el día 24 lanzaron en internet y en las radios noruegas el primer sencillo "Foot of the Mountain". Poco después se comercializó la canción y se dio a conocer que el álbum saldría en junio del mismo año.
El logotipo de a-ha para Foot of the Mountain se usó entre 2009 y 2011, únicamente en el material editado con el sello de Universal Music.
Foot of the Mountain se lanzó en junio en Europa y en julio en el Reino Unido, donde ingresó en el lugar nº. 5 de las listas. Además, el álbum estuvo situado en el nº. 1 de la listas de descarga de iTunes en Alemania. El álbum supuso el regreso a los orígenes de a-ha, con el estilo y elementos que definieron a la banda en sus primeros años. Cuatro días después de su lanzamiento en Noruega, se registraron 30.000 copias vendidas y el álbum consiguió un disco de platino.
El 6 de agosto a-ha dio un concierto en Neuwied, Alemania, patrocinados por la estación de radio SWR3. Más adelante, el 19 de septiembre, a-ha actuó en el SWR3 New Pop Festival en Baden-Baden donde recibieron el premio Pioneer of Pop.
El 15 de octubre de 2009, a través de su web oficial, el grupo anunció su decisión de terminar a-ha definitivamente y celebrar los 25 años de carrera del trío con una gira de despedida en el 2010.
"Hemos vivido, literalmente, la gran aventura de un cuento de niños, gracias a una carrera más larga y premiada de lo que nadie podía imaginar. Esto nos da la oportunidad de involucrarnos en otros aspectos significantes de la vida, como causas humanitarias, política, o lo que sea - por supuesto a través del campo del arte y la música. Nos retiramos como banda, no como solistas. El cambio es siempre difícil y es fácil encasillarse en algo determinado. Ha llegado la hora de moverse."
a-ha
El 27 de octubre a-ha inició la gira Foot of the Mountain Tour que concluyó el 25 de noviembre, convirtiéndose en la gira más pequeña del grupo. Esta sirvió para sentar las bases de la próxima gira del grupo, Ending on a High Note.
Jimmy Gnecco (de la banda Ours) fue telonero en varios conciertos de la gira Ending on a High Note.
Tras el anuncio de su retirada, y tras terminar con la gira de Foot of the Mountain, el grupo inició su gira de despedida, Ending on a High Note el 4 de marzo de 2010 en Buenos Aires.
a-ha en directo en el Palacio de Vistalegre en su último concierto en Madrid, España, el 14 de octubre de 2010, durante la gira Ending on a High Note.
El 14 de junio tuvo la premiere mundial, en la web oficial de VG, la canción de despedida del grupo, "Butterfly, Butterfly (The Last Hurrah)", que salió a la venta en varios países.La canción fue incluida además como la última del recopilatorio definitivo de a-ha, 25, un doble disco (algunas ediciones con un DVD) que celebra los 25 años de éxitos de la banda realizando un recorrido por sus sencillos de éxito además de incluir otras canciones y algunas remezclas difíciles de encontrar. El vídeo para la canción fue rodado en Brighton, Reino Unido, con Steve Barron a la cabeza.
Oslo Spektrum en Noruega, lugar de los cuatro conciertos de despedida de a-ha el 30 de noviembre y el 2, 3 y 4 de diciembre de 2010.
"Fue muy agradable trabajar de nuevo con a-ha, sobre todo porque hacía mucho que no había realizado un vídeo musical. Cuando Magne contactó conmigo dijo que se trataba de cerrar el círculo, ya que 'Take on Me' [dirigido por Barron] fue el principio de todo.
Quería crear una película realmente emotiva que acompañara a los sentimientos de la canción, para, con suerte, lograr saltar las lágrima de, especialmente, los fans. [...] Pedí a Morten, Mags y Pål que, de manera casi incómoda, se acercaran, se abrazaran y en silencio se dijeran adiós.[...] Parecía resumir todo por lo que los tres han pasado y aún permanecer como uno."
Steve Barron
Estos lanzamientos de despedida fueron acompañados por una reedición de lujo de sus álbumes Hunting High and Low y Scoundrel Days, el primero con motivo del 25º aniversario de su lanzamiento. En el marco no discográfico se publicaron un libro de la gira Ending on a High Note y una actualización de la biografía de 2004, The Swing of Things 1985-2010, puesta al día por el propio autor de la obra original (que esta vez, sin embargo, no incluye CD), además de gran cantidad de merchandising con motivos de la gira y del grupo.
El 3 de diciembre se celebró en Oslo una fiesta de fans oficial, como evento conmemorativo. También tuvieron lugar exposiciones de fotos y de la historia del grupo. El 4 de diciembre, a-ha dio su último concierto en el Oslo Spektrum, que fue grabado, sorprendiendo a los asistentes con una interepretación de la canción "Bowling Green" de The Everly Brothers en homenaje a Terry Slater. Con este concierto especial a-ha rompió lazos definitivamente.
"Por donde empezar... supongo que 'gracias a todos' lo resume todo perfectamente.
'Gracias' es lo único que tiene sentido llegados a este punto. Gracias fans y amigos, por darnos vuestra mente, vuestro tiempo, pasión, en algunos casos pedazos de vuestra vida, y, sin duda, cantidades considerables de vuestro dinero. Habéis hecho pisible que nos dedicáramos a lo que nos gustaba de la manera que esperamos.
Este es el final para nosotros, y no sabremos lo que podría haber traído un futuro juntos. Pero sí sabemos lo que ha habido en el pasado; y fue impresionante formar parte de él.
Desde el inicio como amigos de la infancia, hasta la cúspide de nuestra carrera, y todo lo de entremedias, a-ha ha coloreado nuestras vidas de maneras que ni siquiera nosotros logramos entender.
Esto todo lo más lejos que el camino nos ha llevado - pero, ey, ¡ha sido un largo camino! Una cosa está clara: lo hicimos juntos. Ahora a-ha será el recuerdo de una vida que compartimos.
Así que, gracias a todos.
magne f (en nombre de a-ha)
Durante el 2010, a-ha ganó la cifra aproximada de 500.000.000 kr, unos 64.482.016 €, entre merchandising, venta de discos y entradas de conciertos, lo que los situó entre las 40-50 bandas con más ganancias del mundo.
Tras la separación (2011 en adelante)
En la saga de los premios Spellamann, que abrió con una versión de "The Sun Always Shines on T.V." interpretada por varios artistas, a-ha fue premiado con el Premio de Honor.
El 25 de marzo de 2011 salió el primer sencillo del último álbum en directo, "Summer Moved On (Live)". En abril se lanzó el álbum, Ending on a High Note – The Final Concert, en varios formatos, entre ellos, y por primera vez en un lanzamiento de a-ha, en Blu-ray Disc en alta definición.
Pål Waaktaar-Savoy y Jimmy Gnecco formaron el grupo Weathervane. Su canción homónima, forma parte de la película Headhunters basada en la novela del escritor noruego Jo Nesbø. El 20 de agosto de 2011 presentaron el tema en directo en la 27º gala de los premios Amanda, parte del festival internacional de cine de Noruega.
a-ha se reunió para una única actuación en la ceremonia en memoria de las víctimas de los atentados del 22 de julio en Oslo y Utøya que se celebró el 21 de agosto de 2011 en el Oslo Spektrum, donde interpretaron su tema "Stay on These Roads" junto a la Orquesta de Radio de Noruega.
a-ha se convertirá en uno de los primeros cinco artistas en formar parte del Rockheim Hall of Fame, localizado en Trondheim, Noruega, en una ceremonia que se celebrará el próximo 6 de noviembre.
a-ha estuvo integrado por:
Pål Waaktaar-Savoy: co-fundador del grupo. Líder de la banda a la que a-ha debe su origen, Bridges. Tras ser el vocalista de dicha banda, Waaktaar se consolidó como el guitarrista de a-ha, así como principal compositor del grupo y participaba también en los coros. Artísticamente también se le conoce como Pål Waaktaar o como Paul Waaktaar-Savoy. Su nombre real es Pål Gamst Waaktaar.
Magne Furuholmen: co-fundador del grupo. Junto con Paul Waaktaar-Savoy y participó con éste en el grupo Bridges. A cargo de los teclados y el piano, Magne también colaboró con la guitarra, los coros y en ocasiones como vocalista principal. A partir del segundo álbum de estudio, Mags comenzó a involucrarse más en la composición de temas y a lo largo de la carrera se convirtió en el segundo compositor más importante de la banda. Artísticamente también se le conoce como "Mags" o "magne f".
Morten Harket: es el último en incorporarse al grupo, por petición de Pål y Magne. Se convirtió por méritos propios en el vocalista. Aunque éste fue su papel principal, Morten a lo largo de la carrera de a-ha también colaboró en la composición de canciones, aunque en menor medida de lo que lo hicieron Pål o Mag
lunes, 24 de febrero de 2014
UB 40
UB40 se formó en Birmingham, en el verano de 1978 y, como todos los miembros del grupo se encontraban en paro, adoptaron el nombre de una tarjeta de desempleo del Reino Unido (el formulario ub-40), que ilustra su primer álbum.
Los ocho miembros del grupo, ampliamente influenciados por la música reggae, comenzaron en un sótano, donde aprendían a tocar los instrumentos y a interpretar a sus artistas favoritos.
Sus ocho integrantes son amigos desde la infancia, de varias razas y procedentes de la clase obrera: Alastair Campbell, Robin Campbell, James Brown, Earl Falconer, Norman Hassan, Brian Travers, Michael Virtue y Astro.
Compraron sus primeros instrumentos con el dinero que Ali recibió como compensación por una pelea que tuvieron en un pub, aunque algunos de ellos todavía no sabían tocarlos. Obtuvieron su nombre del formulario de petición de pago del seguro de desempleo, Unemployment Benefit Form 40, (Formulario de ayuda social por desempleo 40) debido a que los ocho miembros del grupo se encontraban desempleados.
Grabaron una maqueta que fue emitida por una emisora de radio y comenzaron a tocar en algunos pubs y clubes nocturnos, hasta que Chrissie Hynde, la vocalista del grupo The Pretenders los vio tocar y les ofreció acompañarla como teloneros de su grupo durante la gira que realizó en 1979. En 1980, publicaron su primer álbum Signing off y crearon su propia compañía discográfica DEP International con la que publicaron Present Arms in Dub
En 1984 y con el lanzamiento de su propia versión del famoso tema Red Red Wine de Neil Diamond, (incluido en el álbum de covers Labour of Love) obtuvieron su primer éxito y posterior salto a la fama.
En 2010 la formación continuaba activa y realizando conciertos internacionales a pesar de que Ali Campbell, su vocalista, se retiró del grupo en el 2008 y actualmente se encuentra grabando y promocionando su nueva agrupación llamada "The Dep Band".
El estilo de UB40 tiene su origen en el reggae jamaicano Su primera actuación en público fue en 1979, y a partir de ahí comenzaron a tocar en pubs, clubs y otros locales en toda Inglaterra. Grabaron una maqueta que fue emitida por una emisora de radio y fueron teloneros del grupo 'The Pretenders' en su primera gira por Inglaterra. Su primer sencillo salió en 1980, durante aquella gira, y llegó al número 4 en las listas nacionales. Entonces publicaron su primer álbum, 'Signing Off'.
UB40 crearon su propia compañía, 'DEP International'. Publican Present Arms In Dub
En 1983 consiguen su primer número uno en Inglaterra con el sencillo 'Red Red Wine', incluído en su LP 'Labour Of Love', su mejor disco hasta ese momento, con versiones de temas clásicos del reggae. Hicieron una pequeña película con el mismo nombre, en la que incluyeron la mayoría de los temas del álbum En 1984 editan 'Geffery Morgan', con material original de los inicios de la banda y en 1985 se van de gira por Estados Unidos y Canadá.
Ese mismo año publican 'Baggariddim', cuyo tema principal, 'I Got You Babe', se alza en el número uno de las listas inglesas.
En 1986 sale a la luz su noveno álbum, 'Rat In The Kitchen'. Entonces, UB40 deciden hacer algo nuevo y se van de gira por Rusia. Producto de esa gira fue un nuevo disco, 'Watchdogs' y un video con la historia del viaje. En 1988 tocan en los festivales de Rio de Janeriro y Sao Paolo, en Brasil, y editan un nuevo álbum, 'UB40', con el tema 'Breakfast In Bed'. También inician una de sus más ambiciosas giras, que les lleva a dar conciertos en países como Australia, Japón, Brasil o Argentina. A finales de 1989 publican 'Labour Of Love II', con el que inician una nueva gira mundial, producto de la cual es el vídeo del concierto, UB40 A Family Affair'. Después de dos años de preparación, en 1993 publican 'Promises & Lies', que estuvo siete semanas como número uno en las listas británicas, algo inaudito hasta entonces. En 1995 sacan 'The Best Of UB40 II' y en 1997 su último disco hasta la fecha, 'Guns In The Ghetto
viernes, 21 de febrero de 2014
BON JOVI
Bon Jovi es una banda estadounidense de hard rock, formada en Nueva Jersey en 1983 por su líder y vocalista Jon Bon Jovi. El resto de la formación original la completaban Richie Sambora (guitarrista), David Bryan (teclista), Tico Torres (batería) y Alec Jonh Such (bajista), este último abandonó la formación en 1994 y fue sustituido de forma no oficial por Hugh McDonald. Durante sus primeros años fueron considerados como una de las bandas características del glam metal, siguiendo así el mainstream de la década de los ochenta, que destacaba por su imagen glamurosa y sus largas melenas bien cuidadas; aunque ellos siempre han querido alejarse de los calificativos y se consideran a sí mismos una banda de rock and roll en general.
A pesar de que su éxito no fue inmediato, lograron buenas críticas con su álbum debut, Bon Jovi (conocido también como «Runaway», por el sencillo con el que el grupo se dio a conocer), que vio la luz en 1984. Tras el fallido intento del segundo disco, 7800° Fahrenheit, con el que pretendían darse a conocer internacionalmente, lograron por fin su meta con Slippery When Wet, que llegó a ser el álbum más vendido del año 1987 en Estados Unidos y supuso un gran éxito a nivel mundial, alcanzando las 28 millones de copias y convirtiéndose así en uno de los álbumes más exitosos de la historia.De este álbum, además, sobresale su tema de mayor éxito; «Livin' On a Prayer», designada como la mejor canción de rock de la década de los ochenta por la cadena norteamericana VH1. En 1988 cosecharon un éxito similar con New Jersey, cuyos sencillos «Bad Medicine» y «I'll Be There For You» alcanzaron el No.1 del Billboard Hot 100.
A partir de los noventa Bon Jovi se vio obligado a desmarcarse del sonido glam que le había caracterizado en la década anterior, género que decayó a principios de los noventa debido al auge del rock alternativo. Por esta razón muchos consideraron que las bandas ochenteras como Bon Jovi estaban acabadas, sin embargo, el grupo norteamericano dio un cambio radical a su música y regresó en 1992 con el álbum Keep The Faith, que llegó a vender más de 12 millones de ejemplares. Algo similar ocurrió al inicio de su tercera etapa en 2000, cuando alcanzaron gran éxito y repercusión con su álbum Crush, cuyo sencillo «It's My Life» fue No.1 en las listas de nueve países y consiguió seis discos de platino. Desde 2000 hasta la actualidad la banda ha continuado editando discos, aunque de éxito moderado. En total, Bon Jovi ha vendido más de 130 millones de álbumes.
Por otro lado, Bon Jovi ha participado en varios eventos importantes como el Monsters of Rock (ediciones de 1985 y 1987), el Rock in Río (ediciones de 2008, 2010 y 2013), el Live 8, el Live Earth o el Moscow Music Peace Festival. También ha actuado en recintos de renombre mundial como el antiguo Estadio de Wembley, el Hyde Park, el Central Park y el Madison Square Garden.
Formación y primeros trabajos
(1977-1985)
Dave Sabo actuando con Skid Row.
Jon Bon Jovi y David Bryan se conocieron en el instituto superior de Sayreville (Nueva Jersey), los dos solían ensayar juntos después de clase y a finales de 1977 se unieron a la banda escolar Atlantic City Expressway, con la que lograron tener cierto eco en los clubes de la zona. En 1978 David Bryan decidió irse a estudiar a la Juilliard School of Music de Nueva York, y Jon se marchó con él. Durante su estancia en la gran ciudad, Jon trabajó en los estudios Power Station, propiedad de su primo Tony Bongiovi, barriendo suelos y limpiando retretes. Allí pudo ver grabar a grandes bandas de la talla de Queen, The Rolling Stones o Aerosmith.[6] Durante esos años Jon escribió algunas canciones, que años más tarde serían editadas en un recopilatorio titulado The Power Station Years.
En 1983, Chip Hobart, director de la estación "WAPP FM", lanzó un disco donde se recopilaba una canción de cada artista nuevo, y Jon Bon Jovi aprovechó para llevar su canción «Runaway» (tema que él escribió en 1980 y grabó en 1982 cuando el estudio estaba vacío); fue la canción que más destacó de ese álbum. Debido a la gran acogida que tuvo, le pidieron hacer un concierto, pero necesitaba una banda propia. Entonces Polygram, que se había fijado en Jon, le hizo un gran contrato dándole la libertad de contratar a los músicos que él quisiera. Jon reclutó entonces a Dave Sabo como guitarrista y a David Bryan como teclista, quien a su vez le recomendó reclutar al bajista Alec John Such, miembro de The Message, y al batería cubano Tico Torres.Más tarde Dave Sabo salió de la banda y fue sustituido por Richie Sambora, que acababa de hacer una audición para entrar en el grupo Kiss, pero fue rechazado por no cumplir el perfil.[15] Sambora estuvo viendo tocar a la banda de Jon Bon Jovi y posteriormente se presentó al casting para ser el nuevo guitarrista; tras unos minutos tocando convenció a Jon y este le incluyó en el grupo. A partir de entonces comenzaron sus actuaciones como teloneros, entre otros, de ZZ Top en el Madison Square Garden.
El 21 de enero de 1984 salió a la venta su primer disco homónimo, Bon Jovi, con el ya mencionado sencillo «Runaway», que llegó al top 40 y sus ventas superaron las 300 000 copias. «She Don't Know Me» fue su segundo sencillo, y el único tema del disco que no estaba compuesto por ninguno de los integrantes del grupo. Más tarde lanzaron «Burning For Love» como sencillo exclusivo para Japón. Con el tiempo la banda fue adquiriendo más fama teloneando a grandes grupos como Scorpions o Kiss. En 1985 alcanzaron el disco de oro con el álbum 7800º Fahrenheit, del cual se lanzaron los sencillos «In and Out of Love», «Silent Night» y «Only Lonely». El disco atrajo cierto interés, pero no el éxito que deseaban, además no recibió buenas críticas por parte de la prensa musical, que llegó a calificarlo de «mediocre». Más adelante Jon afirmó que el escaso éxito del álbum se debió al poco tiempo que le otorgó la discográfica para componerlo, ya que pretendían aprovechar el tirón del primer disco.
Ese mismo año la banda participó en el festival «Monsters Of Rock», pero no fue suficiente para dar el salto a la fama; no pudieron asistir al Live Aid. Posteriormente Jon Bon Jovi descubrió a Cinderella, que por entonces actuaba como una banda de bar en el Empire Rock Club de Philadelphia, e hicieron una gira juntos por todo el país, lo cual contribuyó a aumentar la fama de ambos conjuntos.
Los años dorados: Slippery When Wet y New Jersey (1986-1989)
Estado de Nueva Jersey, lugar donde surge Bon Jovi y que da nombre a su álbum de 1988.
Tras el escaso éxito de su segundo disco, se pusieron a trabajar junto al afamado compositor Desmond Child, con el que compusieron tres de los temas para su tercer álbum; «Livin' On A Prayer», «You Give Love A Bad Name» y «Wihtouth Love». El nuevo álbum, Slippery When Wet (resbaladizo cuando mojado), no sólo supuso su lanzamiento al estrellato sino que además fue el disco de rock más vendido de 1987 y uno de los más exitosos de toda la década de los ochenta, alcanzando los 28 millones de copias vendidas. El álbum logró mantenerse en el «Top 5» del Billboard 200 durante 38 semanas, y más de 46 en el «Top 10». También consiguió el disco de diamante en Canadá, 12 discos de platino en Estados Unidos, 6 en Australia, 3 en el Reino Unido, 2 en Suiza, uno en Alemania y Finlandia, y el disco de oro en España, Italia, Suecia y Japón.[17] [18] [19] «You Give Love a Bad Name» fue el primer sencillo de la banda en llegar al No.1 de la lista Billboard Hot 100, al que posteriormente siguió el exitoso «Livin' On a Prayer», canción que se convirtió en la más popular de la banda. El tercer sencillo, «Wanted Dead or Alive», una canción de estilo Country rock, logró posicionarse en el «Top-10», mientras que la power ballad «Never Say Goodbye» se quedó fuera de la lista.
El tremendo éxito del álbum desembocó en una gran gira por todo el mundo que duró un año y medio y con la que consiguieron millones de seguidores. En total ofrecieron 130 conciertos de su «Tour Without End». También fueron cabezas de cartel en el festival «Monsters of Rock» junto a otras grandes bandas como Iron Maiden o Kiss, y participaron en el show Donnington '87 junto a Bruce Dickinson (vocalista de Iron Maiden), Paul Stanley (vocalista de Kiss) y Dee Snider (vocalista de Twisted Sister).
Aprovechando el tirón se apresuraron a editar su cuarto álbum, New Jersey, que vio la luz en septiembre de 1988 (originalmente se había pensado en un álbum doble, pero la idea fue descartada por la compañía discográfica). En su nuevo trabajo la banda decidió no repetirse creando un «Slippery When Wet II» y optó por crear algo nuevo, mezclando el sonido Hard Rock con el Country. Este álbum provocó cierto rechazo por parte del sector más purista del Heavy metal, que llegaron a tildarlo de «experimento».[6] A pesar de ello el álbum cosechó un gran éxito y llegó a vender 18 millones de copias, consiguiendo 7 discos de platino en Estados Unidos, 5 en Canadá, 4 en Japón, 2 en el Reino Unido y en Australia, y uno en Alemania y Suiza. Además los sencillos «Bad Medicine» y «I'll Be There For You» alcanzaron el No.1 del Billboard Hot 100, mientras que «Born To Be My Baby», «Lay Your Hands On Me» y «Living In Sin» se posicionaron en el Top-10 de dicha lista.
Con la nueva gira mundial, denominada «Jersey Sindicate», se embarcaron en una nueva aventura que se alargó durante 16 meses, en los que ofrecieron 237 conciertos. Durante ese tiempo fueron teloneados por grupos como Cinderella o Vixen, entre otros. En mitad de la gira, Jon aprovechó un periodo de descanso para casarse con su novia, Dorothea Hurley, una campeona de karate a la que conocía desde el instituto. La ceremonia se celebró en secreto el 29 de abril de 1989, en Las Vegas. Por su parte, Richie Sambora tuvo un romance con la cantante Cher, de quien comentó que era «muy fogosa».
A finales de 1989, Jon Bon Jovi y Richie Sambora interpretaron en la gala de entrega de los premios «MTV Video Music Awards» las canciones «Livin' On a Prayer» y «Wanted Dead or Alive», en vivo, pero armados sólo de dos guitarras acústicas de 6 y 12 cuerdas. El experimento fue todo un éxito y esto inspiró a la cadena para crear los especiales acústicos «MTV Unplugged», los cuales tuvieron una gran acogida.
Al terminar la gira, Jon declaró: «Ha llegado el momento de pasear con mi bicicleta por las colinas, aprender jardinería... y en fin, cualquier cosa excepto grabar otro disco con Bon Jovi». El significado de sus palabras viene a raíz una tensa relación con su compañero de grupo Richie Sambora; el principal problema para Sambora parecía ser que su contrato con Bon Jovi no le reportaba los beneficios económicos que él consideraba que merecía. Esto, sumado al desgaste físico y mental ocasionado por la extenuante gira, desembocó en un periodo de reflexión que mantuvo al grupo inactivo durante un par de años.
El primer paréntesis (1990-1992)
La inactividad del grupo a finales de 1989 y principios de los noventa llevó a pensar en la disolución de la banda. Esta idea se vio alimentada cuando en 1990 Jon Bon Jovi editó su primer álbum de estudio en calidad de solista, Blaze of Glory, que constituyó la banda sonora de la película Intrépidos forajidos II. Geoff Murphy, director del film, había solicitado a Jon que le prestara «Wanted Dead or Alive» para su banda sonora, pero Jon le propuso componer un álbum al completo con una temática del oeste, a lo que Geoff aceptó. En la composición de esta banda sonora colaboraron artistas contrastados como Little Richard, Jeff Beck, y Elton John.
Su primer sencillo, «Blaze of Glory», alcanzó el No.1 en las listas «Billboard Hot 100» y «Mainstream Rock». También fue nominado al Óscar en la categoría de «Mejor Canción de Película» y ganó un Globo de Oro a la «Mejor Canción Original». «Miracle» fue lanzado como el segundo sencillo y llegó al puesto #12 del «Billboard Hot 100» y al #20 en la lista «Mainstream Rock». El tercer sencillo, «Never Say Die», se lanzó en Australia, Canadá y Polonia, pero no en los Estados Unidos. «Dyin Ain't Much of a Livin» fue el cuarto sencillo, que se quedó fuera de las listas.
Mientras tanto, Sambora quiso probar como solista editando su primer álbum fuera de Bon Jovi, Stranger in this Town, un álbum de estilo Blues rock que a pesar de cosechar un éxito moderado fue muy bien valorado por los críticos.Para la grabación del disco contó con la colaboración de Tico Torres y David Bryan, compañeros de grupo en Bon Jovi, y el bajista Tony Levin. Cabe destacar la aportación estrella de Eric Clapton, que interpretó el solo de la canción «Mr. Bluesman». El álbum llegó al puesto #36 del «Billboard 200» y al #20 en la lista del Reino Unido. «Ballad of Youth» fue el primer sencillo, seguido de «Stranger in This Town» y «One Light Burning», si bien ninguno de ellos tuvo un éxito destacable.Por su parte, David Bryan realizó la composición de la banda sonora de la película Netherworld, que grabó junto a Edgar Winter.
La renovación musical (1992-1996)
A principios de los noventa el mundo del Hard Rock sufrió un cambio radical, las discográficas querían dejar atrás un género tan explotado como lo era el glam metal y buscar un nuevo sonido, y ese sonido lo encontraron en el rock alternativo. No era un género nuevo, pues durante los ochenta ya existían bandas de ese estilo, pero estas se veían obligadas a subsistir a la sombra de las «hair bands» como Bon Jovi, que recibían todo el apoyo por parte los medios. Sin embargo, a partir de 1991 la situación se invirtió, y fueron las bandas de rock alternativo las que desde ese momento recibieron todo el apoyo de los medios, relegando a las «hair bands» al ostracismo.
Cuando Bon Jovi se reagrupó en 1992, se encontraron con un panorama totalmente diferente al que habían dejado años atrás, por lo que entendieron que para sobrevivir debían adaptarse y cambiar su estilo musical. Algunas revistas musicales, al saber del inminente nuevo disco de Bon Jovi, consideraron que tanto Bon Jovi como el resto de bandas de su época estaban acabadas, y que no conseguirían sobrevivir en los noventa. Así, en 3 de noviembre de 1992 editaron su quinto álbum, Keep The Faith, que contó con la producción de Bob Rock. Este álbum supuso un lavado de cara radical para la banda, y cualquier parecido con el Bon Jovi de los ochenta era anecdotico. Su nuevo sonido estaba claramente influenciado por artistas como Bruce Springsteen, The Rolling Stones o Aerosmith, además de contener cierta dosis de stoner rock, un subgénero del rock alternativo y el heavy metal que había surgido en Estados Unidos en esa época de la mano de grupos como Kyuss.
Esto provocó muchas críticas, que se incrementaron por el cambio radical de su apariencia: Jon, David, Tico y Alec se cortaron sus melenas ochenteras y el grupo renovó su vestuario. La revista Billboard catalogó el corte de pelo de Jon Bon Jovi como uno de los peores momentos de la historia del rock.
Ante estas críticas, Jon declaró:
«En ocasiones pienso que es lo mejor que hemos hecho. "Keep the Faith" tiene un montón de temas excelentes: I'll Sleep When I'm Dead trata de una chica que baila sobre una mesa; Blame it on the Love of Rock n' Roll habla de cuando éramos jóvenes y decíamos voy a tocar en el Madison Square Garden algún día, y tus amigos te contestaban Sí, claro, por supuesto...; Keep the Faith es un tema más serio y reconoce lo dura que es la década de los 90, refleja la decepción de la banda ante la indiferencia hacia los problemas y trata de dar un mensaje positivo en estos tiempos tan difíciles; I Believe tiene un diálogo muy serio: destruye el mito de la idolatría. If I was your Mother trata de un tipo que está obsesionado con la relación que tiene con su novia. Les garantizo que no es la parte dos o tres de "Slippery" o "New Jersey". No son las mismas canciones, ni las mismas estructuras, pero hablamos de la misma banda».
El bajista Hugh McDonnald durante una actuación.
A pesar de las críticas, el álbum fue un éxito y llegó a vender 12 millones de copias en todo el mundo, logrando 5 discos de platino en Canadá, 3 en Australia y Suiza, 2 en Estados Unidos y Austria, y uno en el Reino Unido y Alemania. El sencillo que mayor éxito obtuvo fue la balada «Bed of Roses», que se posicionó en el «Top-10» del Billboard Hot 100. Otros sencillos que también entraron en la lista fueron «Keep The Faith», «In These Arms» y «I'll Sleep When I'm Dead». Por su parte, «Dry County» llegó al «Top-10» en la lista del Reino Unido. En febrero de 1993 iniciaron una gira mundial de seis meses, por la que entraron en el libro guines de los récords como la banda más ruidosa en vivo.
En 1994 se barajó la posibilidad de publicar un recopilatorio doble en directo, pero finalmente se decantaron por lanzar al mercado un recopilatorio de grandes éxitos titulado Cross Road. Este recopilatorio contenía, además, dos temas nuevos; «Always» y «Someday I'll Be Saturday Night». Cross Road resultó ser un éxito rotundo e inesperado, ya que en las primeras cinco semanas de haber salido a la venta, el disco ya había vendido 5 millones de copias. En total el recopilatorio alcanzó las 22 millones de copias vendidas, convirtiéndose así en el segundo disco más vendido de la historia de la banda tras Slippery When Wet. La banda también realizó una gira mundial para promocionar el recopilatorio.
Ese mismo año, el bajista Alec John Such abandonó la banda definitivamente debido a sus problemas con el alcohol. Su lugar lo ocupó Hugh McDonald, quien ya había trabajado con Jon en la grabación de su tema «Runaway» en 1982, si bien se incorporó tomando un papel secundario dentro de la banda, que se convirtió así en un cuarteto. Por su parte, Jon Bon Jovi debutó en el cine realizando una participación secundaria en la película «Moonlight & Valentino», y fue entonces cuando salió a la luz sus cinco años de asistencia a clases de interpretación. Poco después, en diciembre de 1994, Richie Sambora contrajo matrimonio con la actriz Heather Locklear, la ceremonia tuvo lugar en París.
El 27 de junio de 1995 lanzaron al mercado su sexto álbum de estudio, «These Days», un disco que combinaba el Pop rock con un rock & roll más clásico, y cuyos temas poseían un contexto más crítico y oscuro que en sus anteriores producciones, siendo considerado por algunos como el trabajo más maduro de la banda. El álbum no tuvo una buena acogida en Estados Unidos, pero fue un gran éxito en Europa y Latinoamérica, llegando a vender alrededor de 7 millones de copias y siendo No.1 en 12 países. Logró 5 discos de platino en Japón, 4 en el Reino Unido, 2 en Canadá y uno en Estados Unidos, Australia, Austria, Finlandia, Holanda y Suiza. El primer sencillo, «This Ain't a Love Song», se hizo con el disco de oro en Australia y tuvo una versión en castellano que se editó en exclusiva para España y Latinoamérica, como ya ocurrió con «Bed of Roses». Este sencillo también alcanzó el «Top-10» en la lista del Reino Unido, al igual que sucedió con «Something for the Pain», «Lie To Me» y «These Days». Mientras que «Hey God» fue el último sencillo y el que menos acogida tuvo.
En junio de ese año, la banda tocó en el antiguo Estadio Wembley de Londres por primera vez, con tres noches seguidas a lleno completo (23, 24 y 25 de junio, con 72 000 personas cada noche). En esas noches se aprovechó para tocar unos cuantos temas del nuevo álbum que acababa de salir a la venta, además de algún tema inédito como «Good Guys Don´t Always Wear White». La tercera noche fue grabada y editada en VHS bajo el título Live From London; sin embargo, sólo se recopilaron 11 temas de ese espectáculo que tuvo más de 20, dejándose de lado varias canciones importantes. En 2004, el vídeo del concierto fue reeditado en DVD, pero no se incluyó ninguna canción nueva.
Después del lanzamiento de «These Days», cuando la banda aún no había terminado la gira del «Cross Road», y tras la salida de Alec, Jon manifestó:
Nosotros hemos tenido álbumes enormes, como hemos tenido álbumes no tan enormes, con tal que yo estuviera contento con ellos no me importaba. Estoy muy contento de que el álbum de los mejores éxitos fuera tan enorme; eso sí es un gran placer. Pero lo que es importante es que a nosotros nos gustan las canciones, y también al público que las escucha. These Days es la continuación de una aventura de la banda. Nadie sabe dónde terminará, pero yo sé que no estamos retrocediendo.
A mediados de 1996 se dio por concluida la gira mundial de «These Days», tras un año recorriendo casi toda Europa, América y Japón. Tras esto, las obligaciones familiares de los miembros del grupo, pues muchos estaban casados o tenían hijos, sumado al agotamiento tras realizar dos giras seguidas de larga duración, provocó que la banda decidiera hacer un nuevo paréntesis por tiempo indefinido.
Nueva aventura en solitario (1997-1999)
En 1997 Jon Bon Jovi lanzó su segundo álbum como solista, Destination Anywhere, que contenía canciones de estilo Pop rock y una versión en español del tema «Staring at Your Window», titulado «Miro a Tu Ventana». En esos años Jon realizó también algunos trabajos como modelo y actor, apareciendo en algunas películas como Little City, Moonlight and Valentino y Destination Anywhere, donde comparte el protagonismo con la famosa actriz Demi Moore.
Por su parte, Richie Sambora editó Undiscovered Soul, su segundo disco como solista, y David Bryan hizo lo propio con Lunar Eclipse, un álbum instrumental con canciones tocadas a piano, que incluía dos versiones de los temas «Keep The Faith» e «In These Arms» cantadas por él. Mientras tanto, Tico Torres se casó con la modelo Eva Herzigová y a los dos años se divorció, según él por «motivos de trabajo».
El 31 de enero de 1998, hubo un concierto llamado Jon Bon Jovi and Friends Come Together, en homenaje a Patrick King, que había sido asesinado el 20 de noviembre de 1997. Luego, Jon participó en el evento humanitario Pavarotti and Friends, donde interpreta junto con Luciano Pavarotti la canción «Let it Rain». En septiembre de 1999 se lanzó un videoclip con el nuevo tema «Real Life», compuesto para la banda sonora de la serie televisiva «Ed TV», donde aparece toda la banda junta (a excepción de David Bryan, que había sufrido un accidente donde casi pierde su mano), lo que supuso el preludio al regreso de la banda.
Un exitoso regreso (2000-2002)
Como ya ocurrió tras el anterior parón de 1990-1992, se mostraba cierto escepticismo sobre el regreso de la banda, ya que consideraban que el grupo estaba desfasado y no conseguiría sobrevivir entre los nuevos estilos musicales que habían emergido en los últimos años. El esperado álbum Crush fue lanzado en junio de 2000, y como ya sucedió en la década anterior, la banda volvió a renovar su imagen y modernizó su música. Con este nuevo álbum Bon Jovi se acercó más que nunca al Brit pop, inspirándose en grupos como Oasis, pero también muy influenciados por Bruce Springsteen. Este cambio de estilo, sumado a la escasez de canciones roqueras, provocó que muchos de sus antiguos fans, los más puristas y fieles al sonido rock, perdieran el interés en la banda e incluso se volvieran en su contra.
A pesar de todo, el disco resultó ser un éxito y vendió 8 millones de copias a nivel mundial, si bien gran parte de ese éxito se debió al exitoso sencillo «It's My Life», que fue No.1 en las listas de nueve países y llegó a obtener seis discos de platino, además de ser elegida la mejor canción del año 2000 en los premios VH1. Este éxito puso de moda a la banda y logró atraer a muchos nuevos y jóvenes fans.
Crush significó la reaparición de la banda. Grabado en el estudio de Jon Bon Jovi, fue uno de los discos más vendidos y escuchados de ese año. Su gran éxito se debió sobre todo al exitoso single "It's My Life", que fue elegida la mejor canción del año 2000 en los premios VH1 y que fue nominado al Grammy a la Mejor Canción de Rock. En menor medida, también tuvieron buena acogida los sencillos "Say Isn't So", "Thank You For Loving Me" y especialmente "One Wild Night". Crush logró doble platino en Estados Unidos, siendo además nominado al Grammy en las categorías de Mejor Álbum de Rock y Mejor Interpretación de Rock de Grupo o Dúo por "It´s My Life", en 2001. Ese mismo año, Bon Jovi se llevó el premio My VH-1 Award por "My Favorite Video", y realizó dos conciertos con localidades agotadas en el Estadio Wembley de Londres, antes de que fuera derrumbado.
Bon Jovi firmó un contrato de larga duración con la discográfica Island Records, que dio inicio en 2001 y tuvo una duración de 9 años, hasta finalizar 2010. La banda acordó editar varios álbumes de forma continuada durante este periodo hasta la finalización del contrato.
A principios de 2001, se edita One Wild Night Live 1985-2001, un recopilatorio de canciones en vivo que abarcan desde su primera gira en 1985 hasta ese año. Este disco no contenía canciones nuevas, pero sí una versión comercial de la canción "One Wild Night" ("Crush"), titulada "One Wild Night 2001", que sirvió como sencillo para promocionar el recopilatorio. Este disco no fue del todo bien recibido por algunos fans, ya que en él se incluyeron dos temas de otros artistas: "I Don't Like Mondays" de Bob Geldof y "Rockin' In The Free World" de Neil Young, olvidándose de clásicos de la banda como "Lay Your Hands On Me", "Born To Be My Baby" o "Always". También se esperaba que el recopilatorio contuviera un concierto íntegro de la última gira, pero finalmente no fue así.
En 2002, lanzan el disco Bounce, inspirado en las tragedias del 11 de septiembre en Nueva York. Este disco, a diferencia del anterior, tenía un corte más metalero y roquero, siendo el metal alternativo, su género principal, que se podía apreciar en canciones como "Undivided", "Everyday", "Hook Me Up" o "Bounce", y también poseía baladas como "All About Loving You", "Right Side Of Wrong" y "Open All Night". Este álbum tuvo un éxito relativo, especialmente en Estados Unidos y Japón, vendiendo en total 3 millones de copias a nivel mundial. De nuevo supuso una gira mundial donde la banda regaló en varias ciudades conciertos acústicos (Barcelona, Sidney...) previos a los conciertos. La canción "Everyday" fue nominada al Grammy a Mejor Canción de Pop en el año 2003.
El 20º aniversario (2003-2004)
Se acercaba el 20º aniversario de la banda y, para la ocasión, se planeó hacer una campaña comercial para aprovechar el tirón, editando un recopilatorio de canciones versionadas y un Box Set.
En 2003 sale a la venta This Left Feels Right, una antología de sus mejores éxitos, pero con un estilo totalmente diferente y además, en un formato casi acústico. En su lugar se pensaba realizar un disco acústico que se había grabado en Yokohama en 2003 junto a una orquesta, pero a la hora de mezclar las canciones, pensaron que lo mejor era grabarlas todas de nuevo. Una vez en el estudio, la banda consideró que un álbum acústico en directo no tendría demasiada transcendencia en aquel momento, y eso les llevó a recopilar sus grandes éxitos y versionarlos.
Jon Bon Jovi, 25 de mayo de 2006.
«Creo que la mejor definición para este álbum es "ecléctico", ya sabes, el título "Esta izquierda se siente derecha", esto es lo que es nuestro nuevo álbum, una re-introducción a viejos amigos, un disco muy diferente que a los fans les gustará mucho y que tentará a nueva gente que nunca escuchó a la banda».
El doble DVD que recoge el concierto en el Casino Borgata tuvo una buena acogida entre los fans. Sin embargo, el disco no consiguió las metas esperadas al vender solamente un millón de copias. Jon, en una entrevista realizada a principios de 2007, dio a conocer su disconformidad con este proyecto:
«Grabamos el disco de grandes éxitos y yo me sentía realmente artístico con este nuevo trabajo, era algo inédito y lo sacamos a la venta. Fue un fracaso, un total fracaso. Los críticos dijeron: «No juguéis con nuestros recuerdos ni con nuestras memorias». Fue un duro golpe sobre mi cabeza, como un martillazo. Aquello fue un despertar para mí. Yo lo llamaba arte, cuando en realidad no lo era. Los críticos me cuestionaban dónde estaba el arte, si el verdadero arte estaba en los éxitos originales. Eso fue una crítica constructiva muy buena. Definitivamente, no lo haría de nuevo (otro This left feels right).» Jon Bon Jovi.
En 2004, sacan un box set llamado 100'000,000 Bon Jovi Fans Can't be Wrong, una colección de 4 CD y un DVD con recopilación de 50 canciones. La mayoría de ellas eran demos que no habían tenido cabida en anteriores álbumes o canciones versionadas de caras B o BSO. Sorprende que la portada fuera una copia de un recopilatorio de Elvis Presley, lo que originó críticas a la banda por parte de algunos sectores. Para promocionar el Box Set se editó el sencillo "The Radio Save My Life Tonight", un tema compuesto en 1994 que iba a incluirse en el recopilatorio Crossroad, pero que finalmente se quedó fuera.
Manteniendo el tirón con Have A Nice Day (2005-2006)
A comienzos de 2005, dan algunos conciertos en Philadelphia (enero) y Las Vegas (abril). Es en este último donde tocan la primera canción del nuevo álbum en el año, pero todos querían escuchar el tan esperado Have a Nice Day. Es en julio cuando, en el concierto benéfico "Live 8", sintonizado en MTV, donde finalmente la tocan completa. Es ahí donde arranca la era del nuevo disco.
Finalmente sale Have A Nice Day en septiembre de 2005, un álbum que seguía en la línea del rock comercial y que sirvió a la banda para mantener el tirón comercial de los últimos años. En su semana de lanzamiento alcanzó el número 1 en ventas en Canadá, Alemania, Austria, Japón y Australia y, en general, en las ventas totales de Europa, llegó al número 1 de las listas de éxitos europeas. En Estados Unidos debutó en el número 2 de las listas, siendo su mejor debut en toda su historia.
Bon Jovi en el Tour Europe 2006.
Have A Nice Day vendió más de 9 millones de discos en todo el mundo. Con él se lanzaron sacado 3 sencillos: "Have A Nice Day", "Welcome To Wherever You Are" y "Who Says You Can't Go Home?", cuya versión country con la vocalista de la banda Sugarland, Jennifer Nettles, ha tenido mucho éxito (principalmente en Estados Unidos), y que ha ganado un premio de la música country. Además, es la primera canción country, de una banda de rock, en lograr en la historia de la música el número uno en las listas de éxitos country de Estados Unidos, todo un récord para Bon Jovi. De este disco también se desprenden otros muy buenos temas como "I Want To Be Loved", "Story Of My Life", "I Am", "Complicated", "Dirty Little Secret", "Nothing" y "Unbreakable", aunque el penúltimo tema mencionado fue eliminado antes del lanzamiento del álbum.
Have A Nice Day Tour
La gira Have A Nice Day Tour se convierte en un éxito mundial, haciendo de cada concierto un show diferente donde recuperan antiguos éxitos en directo. Esta gira no pasó por España ni América. A pesar de algunos problemas familiares de David y Richie, por si no fuera poco para Richie, se lesiona el brazo y además, recibe la terrible noticia de que su padre padece cáncer de pulmón. La gira estuvo a punto de suspenderse por estos motivos, pues el guitarrista arrastró una gran depresión durante gran parte de la gira y la lesión del brazo le impedía tocar adecuadamente. Aun así, Richie no quiso dejar tirados a sus fans y continuó tocando como pudo y sacando fuerzas de flaqueza, algo que le honra especialmente.
A pesar de todo, la gira europea Have A Nice Day Tour acabó siendo todo un éxito de público, destacando los conciertos de Dublín y Milton Keynes. Miles de fans de todas partes de Europa llenaron todos los estadios de la gira del verano de 2006. Reino Unido, Alemania, Irlanda, Suiza, Japón, Países Bajos y Estados Unidos completaron la gira, que terminó en Nueva Jersey, en el Giants Stadium, con tres presentaciones con lleno total, el 18, 19 y 29 de julio de 2006 que, como en anteriores casos, se convirtieron en eventos inolvidables.
El 14 de noviembre de 2006, se realizó la tercera ceremonia del UK Hall of Fame donde la banda, junto a Led Zeppelin, Rod Stewart, James Brown y Brian Wilson, pasó a formar parte de las leyendas de la música al entrar en el UK Hall of fame. Así se convierte en la banda más joven en formar parte de este selecto grupo.
Días después, Bon Jovi fue nominado al Grammy por el dueto country "Who Says You Cant Go Home?", con Jennifer Nettles, vocalista de Sugarland. Se llevaron el galardón, lo que transforma a Bon Jovi en la primera banda de rock en ganar premios en esa categoría y permanecer primero en los rankings country.
Lost Highway, un álbum con sabor a country (2007-2008)
Imagen de la Ciudad de Nashville.
Para crear su décimo disco, los chicos de Bon Jovi se inspiraron en el sonido de Nashville, llamada "la ciudad de la música" por su potente industria discográfica, de la que destacan artistas de estilo country como Keith Urban o el grupo Sugarland. Para este proyecto, Jon Bon Jovi y el resto del grupo pasaron unas semanas en Nashville, componiendo canciones para este disco con la colaboración de algunos compositores locales. La idea principal era fusionar el sonido country de Nashville con el rock de Bon Jovi, para crear un sonido nuevo que diera frescura a la música del grupo. El resultado es Lost Highway, un álbum donde, además, se intentó plasmar en las canciones los duros momentos personales que atravesaron algunos miembros del grupo en los últimos meses, como la muerte del padre de Richie Sambora (por cáncer de pulmón) o el doloroso divorcio de David Bryan.
Las "guitarras slide" y "pedal steels" suenan en todo el álbum. Temas como "Whole Lot Of Leavin", "Lost Highway" (segundo single) y "I Love This Town" dan fe de ello. Con baladas suaves como "(You want to) Make a memory" (primer single), "Everybody's Broken" y "Till We Ain't Strangers Anymore", junto a Leann Rimes (tercer single), la banda demuestra que, sin acordes muy complicados, es posible hacer temas de muchísima calidad lírica y vocal. Es un disco que habla muy bien del aspecto creativo de la banda, que trata de sorprender con el toque típico de rock que acostumbra con "Any Other Day" y "One Step Closer". La canción más potente del disco la encontramos en "We Got It Going On", tema roquero por excelencia, interpretado junto a Big & Rich.
Gira mundial y conciertos
El Millennium Dome de Londrés fue inaugurado por Bon Jovi el 24 de junio de 2007.
Lost Highway se lanzó el 19 de junio de 2007, y la banda comenzó realizar pequeñas presentaciones en distintos lugares alrededor del mundo. El 6 de junio grabaron un Unplugged para MTV, VH1 y CMT, show del cual fueron los pioneros en una presentación en los MTV Video Music Awards de 1989. La banda interpretó sus mejores éxitos al estilo acústico, el cual ya es bastante usual en los chicos de Nueva Jersey. Sin embargo, la presentación fue algo decepcionante, debido a que Richie Sambora (guitarrista) no se encontraba en condiciones para tocar y durante el espectáculo estuvo bastante desanimado y sin fuerzas para dar lo mejor de sí mismo. Por este motivo, poco después decidió internarse y comenzar un proceso de rehabilitación de sus adicciones, de las que no se realizaron más aclaraciones. A los pocos días salió de este proceso, ya recuperado, como se pudo comprobar en el concierto inaugural en el O2 Arena de Londres, el 24 de junio con motivo de la presentación del nuevo disco.
El 17 de julio de 2007, el vocalista pasó por Caracas, Venezuela en un concierto a beneficio de los jardines del Museo de Arte Colonial Quinta de Anauco (un monumento histórico de este país). Dicho concierto fue parte del evento conocido como "Buchanan's Forever Green Carpet", una experiencia musical única, que se celebró también en México y Colombia, y que rinde tributo al legado filantrópico del fundador de la Casa Buchanan's, James Buchanan.
«Estoy sumamente entusiasmado de poder volver a Latinoamérica», aseguró Jon Bon Jovi. «Existe una vasta herencia cultural y artística aquí y durante los últimos 30 años, tocar en Latinoamérica ha sido siempre una experiencia emocionante y enriquecedora. Es un verdadero placer poder trabajar junto con Buchanan's para aportar algo a ese legado y poder transformar la música en una contribución tangible para el desarrollo continuo de estas comunidades».
Recientemente, el álbum Lost Highway llegó al puesto número uno en álbumes, algo que es un hecho histórico para la banda, ya que desde 1988 con New Jersey no había tenido otro número uno en lanzamientos. Habían transcurrido así 18 años hasta poder repetir la hazaña. Bon Jovi inició la gira mundial de este álbum en enero de 2008. La gira se inició con una serie de diez conciertos "SOLD OUT" en Nueva Jersey, para seguir por tierras canadienses. Los inicios de la gira prometen, ya que la banda cambia el "set list" para cada concierto y Richie Sambora, recuperado para la causa al 100%, interpreta "These Days" o "Stranger In This Town".
En noviembre estuvieron en España. El día 1 de junio de 2008 Bon Jovi realizó una única actuación en el Estadio Olímpico de Barcelona. En un par de días se agotaron las entradas "Golden Circle", vendiendo en 5 horas más de 14.000 entradas (la mayoría a través de Internet) demostrando así el tirón que el grupo tiene en España.
Richie Sambora durante el concierto del Millennium Dome.
Bon Jovi volvió a ser nominado para los premios Grammy. Fueron nominados a Mejor Interpretación Vocal a Dúo o en Grupo por "(You Want To) Make a Memory", y por Mejor Álbum Pop por el ya aludido Lost Highway. Este último dato despierta curiosidad dado que, según los mismos integrantes de la banda, se trata de un álbum con aires de música country, y no de pop como consideró la cadena MTV.
Durante los primeros días de abril, la estabilidad de Richie Sambora en el grupo se ve amenazada al ser detenido temporalmente por dar positivo en un control de alcoholemia con una mujer y dos menores (una de ellas su hija) en el automóvil. A pesar de esta recaída en el alcohol, el guitarrista continuó de gira con el grupo con total normalidad.
Durante los siguientes meses, Bon Jovi realizó una serie de conciertos por Europa. Antes de finalizar la gira por Europa, el grupo norteamericano ofreció su único concierto en España, el 1 de junio en Barcelona. Tras esto, la banda cerró definitivamente su gira europea en Inglaterra, donde el grupo dio un gran número de conciertos como había hecho anteriormente en Alemania.
Ya en julio, Bon Jovi regresa a los Estados Unidos para concluir allí la gira mundial Lost Highway. Como gran novedad, el 12 de julio de 2008, el grupo toca por primera vez en su historia en el Central Park de Nueva York, en un concierto totalmente gratuito ofrecido exclusivamente a los ciudadanos de Nueva York. Para este evento, en el que no se permitió la entrada a las cámaras de televisión, se dieron cita más de 60.000 personas.
Para concluir definitivamente la gira Lost Highway, el grupo dio dos conciertos seguidos en el Madison Square Garden de Nueva York, los días 14 y 15 de julio para poner punto y final a la gira de promoción de su álbum Lost Highway. Fueron grabados y recopilados en un DVD bajo el nombre de Live at Madison Square Garden que la banda lanzó en noviembre de 2009. Pese a los diversos cambios en la orientación musical que ha sufrido la banda desde su formación, siempre se les ha considerado como una de las mejores bandas en directo, una capacidad de seguir sorprendiendo a los fans que demuestran en este DVD, en el que durante más de dos horas deleitan al público neoyorquino con toda una relación de los clásicos de la banda y sus mejores temas del momento. Esto hace que para muchos fans, éste sea considerado como uno de los mejores conciertos de la banda.[24]
En octubre de 2008, la gira Lost Highway fue nominada al 2008 Billboard Touring Awards (premio Billboard a la mejor gira 2008) junto a Bruce Springsteen y The Police, pero finalmente fue Bruce Springsteen quien se llevó este premio.
En diciembre del mismo año, Billboard confirmó que la gira que más dinero había recaudado en 2008 había sido la de Bon Jovi, seguida de Bruce Springsteen y Madonna.
Por otro lado, cabe mencionar la campaña que realizó Richie Sambora recaudando fondos para Kelly Mahon, una brillante estudiante de Nueva York que padecía de un tumor cerebral y requería una operación lo antes posible.
En junio de 2009, Jon Bon Jovi y Richie Sambora graban junto al cantante iraní Andranik Madadian una versión de "Stand by Me" para difundir la solidaridad con la gente de Irán.
The Circle, por la senda del pop rock (2009-2010)
Jon Bon Jovi y Richie Sambora durante un concierto en Buenos Aires (Argentina).
En noviembre de 2009 la banda lanzó su undécimo álbum de estudio, titulado The Circle, producto de la inspiración tras la elección de Barack Obama como presidente de los Estados Unidos y la crisis económica mundial. Inicialmente, la banda preparaba un par de temas para lanzar un Greatest Hits con sus mejores temas de la última década, pero Jon y Richie compusieron 24 canciones y finalmente el lanzamiento del Greatest Hits fue pospuesto para finales de 2010.
Con The Circle, Bon Jovi dejó de lado el sonido country con el que había coqueteado en los últimos años. A pesar de ello, siguió manteniéndose en la misma línea musical de los últimos años. Este álbum fue muy similar a Crush, alternando canciones de pop-rock con baladas y el sonido melódico que caracterizaba al Bon Jovi de la última década. El disco incluyó una versión remix del single "We Weren't Born To Follow" mezclado por el DJ Jason Nevins. Al igual que ocurrió con su antecesor, Lost Highway, el álbum pasó casi desapercibido por el mercado musical, lo que supuso un bajón comercial para la banda.
El primer sencillo de The Circle fue "We Weren't Born To Follow" que irónicamente, fue la última canción que la banda compuso para el álbum. El segundo sencillo que se promocionó fue "Superman Tonight". El tercer y último sencillo del disco fue la balada "When We Were Beautiful", utilizada también como canción promocional del documental biográfico del mismo nombre.
La gira para promover esta producción se inició en febrero de 2010, y trajo consigo muchas sorpresas en cuanto al repertorio de los conciertos, ya que la banda interpretó temas que durante más de 20 años no habían interpretado, como "Roulette", "Tokyo Road" y "Only Lonely".
Para noviembre de 2010, la gira Circle Tour de Bon Jovi llegó a la primera posición de la tabla de giras más importantes gracias a la recaudación en las cuatro últimas fechas de la gira por Latinoamérica. La venta de entradas de los cuatro conciertos agotados que se llevaron a cabo en estadios descubiertos en México, Perú, Chile, Argentina y Brasil totalizó 14,5 millones de dólares estadounidenses (USD). El 24 de septiembre se presentó en el foro sol de la ciudad de México con casi 60.000 entradas vendidas, el 1 de octubre la banda se presentó en Santiago, Chile, en el Estadio Nacional con una recaudación de 18.000 millones de pesos chilenos (4 millones de USD) con aproximadamente 45.000 entradas vendidas. A continuación, la banda viajó a Argentina y dos días después tocó frente a un público que agotó todas las entradas en el Estadio River Plate de Buenos Aires. Asistieron 37.666 personas al estadio y se recaudaron 16,8 millones de pesos argentinos (4,2 millones de USD). Los últimos dos conciertos fueron en Brasil, el primero el 6 de octubre en el Estadio Morumbí de Sao Paulo, que produjo la mayor recaudación y asistencia de público de todos los conciertos de la gira latinoamericana. Se vendieron 55.833 entradas para la única presentación, que recaudó 16,8 millones de reales (5,5 millones de USD). La última actuación en Brasil fue la de Río de Janeiro en Praça da Apoteose, plaza de la ciudad donde se realiza el carnaval anual de Río y que se utiliza para conciertos al aire libre en otras épocas del año. El concierto de Bon Jovi del 8 de octubre reunió a 15.529 fans en la plaza con una venta de entradas que escaló hasta los 1,7 millones de USD.
Greatest Hits y gira mundial (2010-2012)
El 9 de noviembre de 2010 la banda sacó a la venta el Greatest Hits, el segundo recopilatorio de grandes éxitos de la banda tras Cross Road, que incluyó cuatro temas inéditos; «No Apologies», «What Do You Got?», «This is Love This is Life» y «The More Things Change», además de un tema exclusivo para iTunes; «This Is Our House». Como ya se hizo en 1994 con Cross Road y en 2001 con One Wild Night, el grupo realizó una gira de varios meses para promocionar el recopilatorio, comenzando en febrero de 2011 y terminando en julio del mismo año con los conciertos de Barcelona, San Sebastián y Lisboa. Durante esta gira, Richie Sambora fue brevemente reemplazado por el guitarrista Phill X, en varias presentaciones.
El primer sencillo para promocionar el Greatest Hist, titulado «What do you got?», se editó en septiembre de 2010. A mediados del mismo mes, se editó el videoclip de este sencillo, que tuvo una recepción muy negativa por el hecho de ser un montaje publicitario para la marca Sony, obviando completamente el tema de la canción.«No Apologies» y «This Is Our House» fueron lanzados como segundo y tercer sencillo respectivamente, pero al igual que ocurrió con el primero, no tuvieron una buena acogida a nivel comercial.
En noviembre de 2010 Jon había anunciado un nuevo parón de varios años, para cuando concluyera la gira promocional del Greatest Hits, sin embargo, esta idea se vio descartada cuando en marzo de 2012, se confirmó que Richie y él estaban componiendo canciones para editar un nuevo álbum de Bon Jovi.Más tarde Jon Bon Jovi editó el sencillo «Not Running Anymore», que forma parte de la banda sonora de la película Stand Up Guys de Al Pacino, y recibió una nominación al Globo de Oro como Mejor Canción Original.
Por su parte, Richie Sambora lanzó un nuevo álbum en solitario, titulado Aftermath of the Lowdown, el cual fue lanzado en septiembre de 2012. También habló de una posible gira en solitario, que comenzaría en otoño del mismo año, pero finalmente sus compromisos con Bon Jovi no le permitieron llevarla a cabo, aunque sí llegó a ofrecer algunos conciertos.
What About Now, declive y salida de Richie Sambora (2013)
El escenario del Because We Can Tour en el Estadio Olímpico de Múnich (junio de 2013).
Bon Jovi retomó su actividad comercial en enero de 2013, lanzando «Because We Can», el primer sencillo del nuevo álbum, que ni si quiera logró posicionarse en el Billboard Hot 100. Un mes más tarde la banda comenzó su nueva gira, conocida como Because We Can Tour, que dio inicio en Estados Unidos para luego expandirse a nivel mundial a partir de mayo, confirmando además su participación en el festival Rock In Rio de 2013, que se celebrará en Brasil en el mes de septiembre. El 8 de marzo se editó el nuevo álbum de la banda, titulado What About Now, que volvió a apostar por un sonido Pop rock, siguiendo así en la línea de discos anteriores. El álbum alcanzó el No.1 en las listas de ventas de seis países en su primera semana; Estados Unidos, Australia, Canadá, Suecia, Austria y España, logrando vender 312 900 copias a nivel mundial. Sin embargo, sus ventas cayeron en picado a partir de la segunda semana, llegando a vender únicamente 580 000 en su primer mes. Finalmente, el álbum ha vendido poco más de 650 000 copias a nivel mundial, convirtiéndose en el disco menos vendido de la historia de la banda. El 29 de abril fue lanzado el segundo sencillo, «What About Now», que ni entró en las listas musicales.[33] El 23 de mayo Jon reconoció en una entrevista a la prestigiosa revista alemana Der Spiegel que la banda ya no iba a durar mucho más, y que se encontraba en una etapa de declive por la que ya habían pasado otros artistas como Eric Clapton o Elton John.
«No importa donde tomas el camino o dónde nos llevará el nuestro. Siempre estaréis aquí (señalándose el corazón). Este será el último viaje durante mucho tiempo...»
Jon Bon Jovi durante el último concierto de la gira, el 17 de diciembre de 2013
Salida de Richie Sambora
Richie Sambora abandonó la banda en abril de 2013 porque «estaba cansado».
Horas antes del concierto que el grupo dio en Calgary (Alberta, Canadá) el 2 de abril de 2013, Bon Jovi recibió una llamada del guitarrista anunciándole que no se presentaría esa noche a tocar por «un asunto personal». Bon Jovi salió del paso con esta declaración sobre el escenario: «Tenía dos opciones tras recibir su llamada de última hora: coger las maletas y volver a casa o venir aquí dar todo lo que tengo». Los rumores sobre Richie Sambora se dispararon. Algunos medios empezaron a decir que Jon había echado a Richie de la banda, cosa que el propio cantante desmintió en un periódico de Austin (Texas): «La historia de que Richie Sambora ha sido expulsado de Bon Jovi es una tontería», ha dicho. «Creo que lo está consiguiendo, pero no he hablado con él. No está en la cárcel o en el hospital, ni nada, pero no actuará con nosotros a corto plazo». El lugar de Sambora en Bon Jovi fue ocupado temporalmente por Phillip Xenidis (conocido popularmente como «Phill X»), un guitarrista joven y experimentado quien ya estuvo en 13 conciertos durante el Greatest Hits Tour en 2011.
Sambora se perdió definitivamente el resto de la gira norteamericana, y el 1 de mayo la banda confirmó oficialmente que tampoco estará presente para la gira europea, por lo que los rumores sobre un posible problema de salud o una disputa interna con la banda cobraron más fuerza.[38] Dos días más tarde el guitarrista decidió romper su silencio y habló en twitter para acallar estos rumores: «Gracias por vuestros mensajes (notas) y preocupación (preocupaciones). Estoy muy bien (jodidamente bien). Es un tema privado pero por favor sabed que amo a la banda y a vosotros fans».
Días más tarde, Jon Bon Jovi realizaba unas declaraciones intrigantes sobre Sambora al diario londinense London Evening Standard, insinuando que el guitarrista había recaído en su adicción al alcohol: «Se está haciendo más y más difícil cada día para no sentarme aquí y decir algo… Porque todo lo que puedo decir es esto; es por motivos personales. Ha pasado por esto antes, por suerte para nosotros, el mismo tipo que nos falló en aquella ocasión llegó a tiempo para parte de la gira», además añadió; «La vida sigue, así que si alguien decide no estar aquí… ojala no suceda, pero si The Edge decidiera no estar, U2 seguiría dando conciertos, aunque está claro que no sería lo mismo».Más tarde Sambora replicó a Jon escribiendo en su twiter: «Hay tantas cosas que podría decir... pero me voy a callar».El 24 de mayo Sambora aseguró en una entrevista a The Sun que no tenía problemas personales y añadió: «Mi opinión es que Jon quiere ver si puede llenar estadios por sí mismo. Él es lo que hace muy complicado mi regreso» y agregó «Jon debe dejar de hablar de mí públicamente, estoy bien trabajando muy duro en mi empresa de moda Nikki Rich y este es un asunto privado». El 19 de junio Richie Sambora anunció un concierto en solitario para el 23 de octubre en el Best Buy de Nueva York, pero no hizo ninguna mención a la posibilidad de regresar con Bon Jovi.[
Finalmente el 28 de junio Sambora habló de su intención de volver a tocar con el grupo a partir de septiembre. También dejó a entrever que la causa de su salida fue por problemas con la banda, tras afirmar que «han sido problemas familiares… y la banda es como la familia», además aseguró que nunca ha estado fuera de la banda ni lo estará. El 25 de julio, y tras muchas insinuaciones, al fin Sambora reconoció abiertamente que el problema que le había apartado de la banda durante tanto tiempo era con Jon, y que en los últimos días estaba intentando acercar posturas con él para arreglar la situación y poder reincorporarse a la banda.
Sólo tres días más tarde, el 28 de julio, Richie publicó en su twitter un nuevo tema en solitario, del que comentó que tenía «una letra muy acorde con la situación actual». La letra de la canción habla sobre la separación de una pareja y reza porque esa separación sea amistosa y sin rencores. Muchos fans interpretaron esto como una insinuación de que la relación profesional entre Jon y Richie se había roto, lo que supondría la salida definitiva de la banda para el guitarrista.Tras varios meses sin noticias, el 30 de octubre concedió una entrevista a TMZ.com en la que señaló: «La banda quiso hacer cosas y, sencillamente, yo ya no quería hacerlas más, yo estoy empezando a disfrutar de estar en mi casa con mi hija».
Por fin el 4 de noviembre, Sambora reconoció que la razón por la que abandonó la banda fue porque «estaba cansado después de 30 años», y añadió: «nadie se hace una idea del sacrificio que significa ir de gira durante 30 años, 24 horas, 7 días a la semana». Además desmintió que hubiese un enfrentamiento entre Jon y él, pero sí «diferencias de opinión». El 24 de noviembre el propio Richie anunció que había hablado con Jon y confirmó que volvería con la banda, pero no ahora.
«Le dije abiertamente (a Jon) que debería pasar más tiempo entre giras. Habíamos tenido dos giras masivas anteriormente y necesitaba un poco más de tiempo para estar en casa con la familia, pero los chicos querían ir, así que eso es lo que pasó. No creo que sea el final de la banda, creo que en algún momento vamos a hacer algunos discos más y saldremos de gira otra vez, pero es hora de un descanso.»
Richie Sambora
Por caminos separados (2014-)
Orianthi, la nueva musa de Richie Sambora.
Los problemas durante la última gira, el abandono de Richie Sambora y el fracaso del último álbum, provocaron que la banda decidiera separarse nuevamente, aunque sin cerrar la puerta a un posible regreso en el futuro.Esto supone la tercera separación de la banda, algo que no ocurría desde los años 1996-2000.
Richie Sambora retomó su carrera en solitario y anunció que está preparando un nuevo disco, además de una gira en solitario. Entre otras cosas, habló de su intención de componer canciones junto a Lady Gaga, aunque no precisó si estas formarían parte de su nuevo álbum. El guitarrista comenzó ofreciendo algunas actuaciones menores en enero de 2014, participando en la jam sesion que organizó Steven Tyler para celebrar el nuevo año, en ella se dieron cita artistas como Alice Cooper o Sammy Hagar, entre otros. Más tarde participó en el concierto benéfico «From Hollywood with love», donde estuvo acompañado -nuevamente- de la talentosa guitarrista Orianthi. El 30 de enero Sambora aseguró que había compuesto canciones para dos álbumes, pero que aún no le había dado tiempo a grabarlas, sin embargo espera poder interpretar alguna durante los próximos conciertos, aunque eso si, «con Orianthi en la banda». También tuvo elogios para la joven, sobre la que afirma que canta y compone muy bien, e incluso la considera mejor guitarrista que él.
Por su parte, Jon Bon Jovi ha anunciado varias actuaciones en solitario, destacando el concierto privado que realizará los días 24 y 26 de febrero en Las Vegas. También ha realizado algunas actuaciones junto a la banda The King Of Suburbia, con la que arrastra una gran amistad desde hace años, e incluso algunos de sus miembros han participado en conciertos de Bon Jovi durante la última gira.Según fuentes cercanas al cantante, Jon está preparando un nuevo disco en solitario, que podría publicarse a finales de 2014, además de una posible gira mundial para 2015.También a David Bryan se le ha visto actuando junto a Bruce Springsteen.
Estilo musical e influenciasEditar
A lo largo de su carrera la banda nunca llegó a adoptar un estilo musical propio, sino que se ha ido amoldando al sonido de cada época, aunque siempre girando en torno al rock. Durante sus primeros años de vida, en la década de los ochenta, Bon Jovi comenzó siendo un grupo cercano al heavy metal, su música se caracterizaba por ser un hard rock con tintes melódicos y baladas potentes (conocidas como «power ballads»), debido a ello y a su forma de vestir los medios los consideraron como una banda glam metal. En 1988, con New Jersey, optaron por un sonido más cercano al Country rock, aunque sin dejar de lado su sonido más Glam y hard roquero. A su vuelta en la década de los noventa, con la salida de su álbum Keep The Faith en 1992, dejaron atrás el sonido glam y editaron un disco roquero con influencias muy cercanas al stoner rock, al folk rock y al rock & Roll clásico, inspirándose en el sonido de grupos y artistas como Aerosmith, Bruce Springsteen o The Rolling Stones. En 1995, con su álbum These Days, adoptaron un sonido Pop rock más acorde al estilo de la época, aunque también coquetearon con el Rock alternativo en canciones como «Hey God», «Damned» o «All I Want Is Everything», si bien ninguna de ellas es puramente de Rock alternativo, siendo más acertado incluirlas dentro del Hard rock.
En su regreso en 2000, con su álbum Crush, optaron por un sonido Pop rock muy influenciado por bandas contemporáneas como Oasis, aunque con un claro toque a lo Bruce Springsteen. En 2002, con Bounce, experimentaron con un sonido más metalero, combinando canciones de Hard rock, Metal alternativo y Rock melódico. Algo similar ocurrió con Have A Nice Day, aunque en este caso se encerraron en un Hard rock más puro y sin variaciones. A partir de 2007, la banda dejó de lado su sonido roquero y apostó por un Pop rock más melódico y comercial. Con Lost Highway combinaron el country con el Pop rock, inspirándose en artistas como Keith Urban. Con The Circle optaron por un Pop rock más puro, mientras que con What About Now intentaron emular a grupos como Coldplay.
:Discografía de Bon Jovi
Fecha de lanzamiento Título Ventas mundiales
21 de enero de 1984 Bon Jovi 3,5 millones
12 de abril de 1985 7800° Fahrenheit 2,5 millones.
18 de agosto de 1986 Slippery When Wet 28 millones.
13 de septiembre de 1988 New Jersey 18 millones.
3 de noviembre de 1992 Keep the Faith 12 millones.
27 de junio de 1995 These Days 7 millones.
13 de junio de 2000 Crush 8 millones.
8 de octubre de 2002 Bounce 3 millones.
20 de septiembre de 2005 Have a Nice Day 3,5 millones.
8 de junio de 2007 Lost Highway 2,4 millones.
2 de noviembre de 2009 The Circle 1 millón.
8 de marzo de 2013 What About Now 730 000 aprox.
Giras
Bon Jovi Tour (1984).
7800º Fahrenheit Tour (1985).
Without End Tour (1986-1987).
The Jersey Syndicate Tour (1988-1990).
I'll Sleep When I'm Dead Tour (1993).
Cross Road Promo Tour (1994).
These Days Tour (1995-1996).
Crush Tour (2000).
One Wild Night Tour (2001).
Bounce Tour (2002-2003).
Have a Nice Day Tour (2005-2006).
Lost Highway Tour (2007-2008).
The Circle Tour (2010).
Greatest Hits Tour (2011).
Because We Can Tour (2013).
Año Premio
1987 MTV Video Music Awards. Mejor Actuación en Escenario en un Video por Livin' on a Prayer.
1988 American Music Awards. Mejor Banda de Rock.
1992 Libro Guinness. Disco de Oro más rápido de la década de 1990.
1993 Libro Guiness. La banda más ruidosa en vivo.
1995 World Music Awards. Mejor banda del Año.
1995 MTV Europe Music Awards. Mejor Rock.
1996 Brit Awards. Mejor Banda Internacional.
2001 VH1 Music Awards. Vídeo del Año por It's My Life.
2002 VH1 Music Awards.Mejor Show en Vivo.
2002 MTV Asia Awards. Mejor Artista Rock.
2004 American Music Awards. Premio al Mérito por This Left Feels Right.
2005 World Music Awards. Premio Diamante por vender 100 millones de álbumes.
2006 CMT Music Awards.
Vídeo conjunto del año por Who Says You Can't Go Home? con Jennifer Nestle.
2006 Salón de la Fama del Reino Unido.
Miembro.
2007 People's Choice Awards. Canción de Rock favorita por Who Says You Can't Go Home?
2007 Grammy. Mejor dueto country por Who Says You Can't Go Home? con Jennifer Nestle.
2008 CMT Music Awards. Vídeo conjunto del año por Till We Ain't Strangers Anymore con Leann Rimes.
2009 Salón de la Fama de los Compositores.[82] [83] Miembros: Jon Bon Jovi y Richie Sambora.
2010 MTV Europe Music Awards.[84] Premio Icono Global.
2013 Billboard Touring Awards.[85] Top tour, Top draw, Top manager y Eventful fans choice award.
Miembros
Referencias
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